Tertulia El Séptimo
Crónica 153ª
Película: "The Lost King"
Director:
Stephean Friars
Por
Marta Mora
Nuestra
colega Graciela Sobral coordinó esta tertulia contextualizando la
historia de donde parte la creación de este director: “Ricardo III
fue el último rey inglés que murió en un combate. Fue en la
batalla de Boswohrt en 1485 ante las tropas de Enrique Tudor, que
luego ocuparía el trono con el nombre de Enrique VII. Tras la
batalla, el cadáver de Ricardo fue llevado a Leicester y enterrado
sin ninguna celebración. Su monumento fúnebre parece que fue
desmontado durante la Reforma Anglicana y sus restos permanecieron
perdidos, en paradero desconocido durante cinco siglos”. Y que en
2012 la reina y condecoró a Philippa Langley con la Orden del
Imperio Británico por su investigación. Con algunos comentarios
más, nos invitó a participar.
Lo
primero que alguien señaló fue que cinco siglos no son ninguna
tontería, Frears nos habla del poder político, muestra
explícitamente que la historia la escriben los vencedores y del
poder machista, son los hombres los que se apropian descaradamente
del trabajo de la protagonista durante 500 años.
Otro
apuntó al momento en que Philippa, (Sally Hawkins), desvalorizada en
su trabajo, se identifica con el personaje de Ricardo III y emprende
la reivindicación de este rey.
Se
señaló rápidamente la sorpresa ante la curación de la fatiga
crónica que la aquejaba. Esto trajo el hilo, como dicen ahora, sobre
este fenómeno que constatamos en las consultas, esto pasa. Lo más
destacable es como el despertar del deseo vivifica y que el punto de
partida, su insatisfacción con su vida, se modifica pues encuentra
como sostenerse mejor en su vida.
Se
mencionó a los hombres de la película, el marido del que se está
separando y tiene otra mujer, le da un lugar y la apoya en su
búsqueda, el profesor despedido es reincorporado a la universidad
para para que esta pueda apropiarse del descubrimiento. Phillipa es
solo la empleada de un centro de atención al cliente. El contexto es
machista y no hace tanto, aunque hay hombres que la apoyan, el
profesor y el presidente de los Ricardianos. El profesor que la
traiciona, dice al de la Universidad, “déjame al menos que tenga
sentimiento de culpa”, algo es algo. Es este hombre el que le abre
a ella la posibilidad de ir a los colegios. Sin olvidar al fantasma
del rey que la acompaña.
Hasta
hoy la familia de los York, de la dinastía Plantagenet, está fuera
del linaje real.
También
se comentó como esta mujer con un aspecto frágil tiene una gran
fortaleza para sostener su objetivo. Ella además de reivindicar la
verdad de la historia, la cambia, revela la tergiversación de los
que tienen el poder, ante el pálpito que la habita, la burocracia la
desprecia porque no se basa en cálculos.
Hubo
quien agradeció que se haya seleccionado esta película, veníamos
de dos muy duras y esta es una delicia de ver, gustó mucho y se la
disfruto mucho también. La definieron como un cuento bien
construido, incluyendo los malos.
Se
acordó con el papel de la mujer en la historia, la manipulación de
los medios entonces, lo que pasa siempre en la historia, Fuente
Ovejuna es un trabajo de Felipe II y como simbólico es un genio.
Cuidado con los mitos, cuando ella duda, el rey desaparece. Nunca le
da una respuesta. El rey es lo que ha utilizado el director para
contar la historia de ella. La historia es real, Philippa Langley, es
un a investigadora amateur.
Lo
más importante a señalar, el valor de un deseo, como puede
transformar dándole a ella en una misión en la vida y pone en
funcionamiento su pesquisa, busca fondos, esa R que significa? Para
ella Rey y para el del aparcamiento: Reservado.
Importante,
quien ha sido el que ha contado la historia, como nos llega la
historia? La historia la cuentan los ganadores, eso siempre es así.
Y los Tudor reinan hasta hoy, lo recuperan pero...ellos reinan hasta
hoy. Es importante que los padres cuenten la historia a sus hijos.
Hoy se palpa que falta esa transmisión generacional gracias al
impulso del discurso que intenta borrar el pasado.
A
alguien le recordó “Historia de un Jabalí”, magnifica obra de
teatro, toma como base el Ricardo III de Shakespeare, e hizo un
comentario, lo pueden leer en nuestra revista digital, La Brujula. Un
actor infatuado, con mucha maldad y soberbia, como dibuja Shakespeare
a este rey perdido en la historia, que al final destruye la
posibilidad de ser Ricardo III en la obra de teatro. “Jabalí” le
llamaban a Ricardo III, para el imaginario colectivo, sobrenombre al
servicio del descrédito de este rey.
Otro
apuntó a que no hay que dejar que nos cuenten la historia, tenemos
la experiencia de la película “Los 300” sobre los
persas...porque la historia es lo que nos pasa a cada uno, los padres
deben contar su historia a sus hijos. La transmisión es importante,
es fundamental ante este discurso que pretende el olvido del pasado,
que se olvide de donde venimos, que solo valga el presente, que
perdamos la memoria.
Motivó
muchos comentarios el personaje del fantasma que la ayuda, siempre en
silencio, como un apoyo para su debilidad y para a salir de la su
enfermedad. Un hombre al final diferente.
Otra
escena mencionada fue la del profesor que la traiciona en el acto
pomposo, donde la universidad se apropia de todos los méritos de
ella y el contraste de ella en un aula contándole a los niños la
historia, la transmisión a las nuevas generaciones!.
Hubo
mención especial para los diálogos centrados en divinos detalles,
como cuando ella pregunta: ¿tener la columna torcida es suficiente
para ser inmoral? Y así muchos más.
Como
siempre aprendimos algo más sobre Stephen Frears, nació en
Leicester, de madre judía y padre abogado.
Y
así nos despedimos hasta después del verano, agradeciendo la
acogida de María Pandora y extrañando a nuestra colega Olga Montón,
responsable de estas tertulias, a quien un percance le impidió, por
primera vez, asistir.
¡¡¡¡¡Felices
vacaciones y hasta la próxima!!!!!!
Tertulia El Séptimo
Crónica 152ª
Película: "20.000 especies de abejas"
Directora: Estíbaliz Urresola Solaguren
Por Concha Miguélez
Comenzó esta tertulia con
unas palabras de bienvenida por parte de nuestra colega Olga Montón. Continuó
Marta Mora, miembro de la Comisión, que abrió el espacio con su texto de presentación, preguntándose:
¿Realmente hay un tránsito de este niño a otra identidad sexual?, ¿Es
suficiente que no le guste su nombre para etiquetarlo como un niño trans?
Señaló la calidad y los premios recibidos por esta película y dio comienzo a la
tertulia.
Un tertuliano opinó que era una Película intimista y minimalista, que
muestra un choque emocional.
A lo largo de la tertulia se consideró muy interesante el tema, por su
actualidad. Se valoró que la directora no tomara partido por una posición.
Se dijo que es una película de mujeres, que muestra muy bien la sociedad vasca
y que da cuenta del matriarcado que funciona en gran parte de ella.
La película nos presenta a una familia en la que la madre está en crisis con su
pareja. Tiene un hijo de 8 años, Aitor, que muestra un rechazo a su nombre y
que tampoco acepta el nombre de Coco, que antes admitía.
Aitor está en un conflicto y a través de él la película pone sobre la mesa el
debate sobre la sexualidad humana.
La prudencia de la directora es muy destacable. Al final de la película
asistimos al nacimiento de Lucía, nombre tomado por él mismo y aceptado también
por su familia.
Otro tertuliano expuso que ante este conflicto que vive el hijo, se muestran
distintas posiciones en la familia. Están, los que miran para otro lado, como
la abuela y el padre, que aparecen como negadores del conflicto. Y los que le
escuchan, como la tía, que le ofrece un lugar, y el hermano mayor, que le
muestra su amor y le acompaña cuando se hace pis en la cama.
A lo largo de la tertulia hubo muchas intervenciones, en relación al conflicto
de Aitor con su cuerpo y su nombre.Se apuntó, que daba la sensación de que la sala estaba interpretando al
niño, como si estuviéramos buscando la causa de su malestar. Lo más destacable
es que a Coco apenas lo hemos oído y que sabemos muy poco de este sujeto.
En relación al malestar es importante que los niños, y todas las personas,
tengan un lugar para ser escuchados, un lugar de respeto a los procesos
singulares, un lugar de protección para que su vida sea lo que tiene que ser,
que no conviene precipitar.
En la película, la escena ante el espejo, vestido de niña para el bautizo,
muestra muy bien la incomodidad de Aitor, da cuenta de que no es el momento
para asumir la responsabilidad de su elección.
En otra intervención se apuntó que el malestar con el cuerpo es habitual, que
está presente en todo ser vivo que habita el lenguaje. Es algo por lo que todos
pasamos, la causa es ese goce, esa satisfacción a la que estamos empujados y
para la cual no tenemos respuesta.
Los animales tienen instinto y sin embargo el ser humano está atravesado
por el lenguaje. No hay 20000 especies, sino que hay tantos malestares como
niños existen. El malestar es normal en el ser humano.
Se comentó, que la escena del bosque del final de la película, en la que el
niño ha desaparecido, nos muestra a todos buscándolo. El padre solo desea que
esté vivo y la madre nombrándolo como Lucia le da vida. Es un niño muy querido.
Es de valorar en esta película, que la directora no tome partido, que no
dé respuestas y que deje muchas preguntas abiertas.
Como era de prever la tertulia estuvo muy animada y tomaron la palabra muchos
tertulianos.
Muchas gracias a todos y en especial a María Pandora, fantástico lugar de
encuentro.
Concha Miguélez
(Para ver de la temporada 13ª en adelante, buscar en el Ítem "Temporadas")Tertulia El Séptimo
Crónica
151ª
"As
bestas"
Director: Rodrigo Sorogoyen
Por Marta Mora
Tertulia del reencuentro después de la pandemia que vivimos con mucha alegría
con muchos fieles tertulianos y nuevos participantes. Estrenábamos también
nuevo sitio, el café Maria Pandora, situado en un lugar hermoso, Las Vistillas, con mucha tradición
cultural y bonitas vistas.
Nuestra colega Olga Montón presentó “As bestas” con algunas palabras que
rescato: : “Volvimos donde estábamos, con una gran película muy
premiada. Este director tiene en su haber 6 largometrajes. En mi opinión, es
tan buena la película, que te sumerge en la escena como si fueras un
participante más, un vecino del bar. Y todo muy cinematográficamente, en
imágenes, con pocas palabras. Vives la angustia de los personajes en primera
persona. Refleja la condición humana tan descarnada, la pulsión descrita por
Freud en su peor cara...” explicándose así porque algunos no la han visto ni la
verán porque “se les hace insoportable pensar esa violencia sin sentido, sin
mediación, puro acto”. Recomendó un texto de Freud, “Mas allá del principio del
placer”, donde desarrolla la pura pulsión de muerte y donde lograba cambiar
“una existencia miserable por una infelicidad admisible” y terminó con una
reflexión propia sobre la vida: “hay que saber parar”.
Se oyeron elogios hacia la película, la fotografía. el desempeño de los
actores y el guion, y se rescató a Isabel Peña como coguionista. Se interpretó
que se ponía en juego algo viril y la posición distinta en las mujeres y se
formularon muchas preguntas: ¿Porque no renuncia Antoine si sabe que lo van a
matar?, su mujer se lo dice en la encerrona en la carretera, ¡no te han matado
porque estabas conmigo! ¿Hasta dónde sostener los principios? El conflicto
trata de una cuestión de privilegio? Unos no pueden irse por falta de dinero y
otro quiere quedarse porque lo tuvo para instalarse. Quienes son as bestas
realmente? ¿El derecho de la tierra nos da derechos sobre otros?. ¿Como se
puede hacer comunidad en estas condiciones?
Alguien apuntó que la visión bucólica del campo se rompe con la vida
durísima que muestra la película. La convocatoria de Antoine para dialogar
evidencia la ingenuidad o la ignorancia de los hermanos Antoine, les dice, ¿tú
crees que con ese dinero podrás comprar un taxi, trabajarlo juntos y comprarle
una casa a tu madre? Ambos tienen razón pero los sueños de la razón producen
monstruos... (título del cuadro de Goya)
Se comentó la perversión del capitalismo salvaje, el dinero mueve la trama, una
empresa ausente ofrece un dinero irrisorio solo si todos venden. Y como hay 3
que dicen no... Las personas no tienen importancia, la empresa quiere todos los
terrenos, una parte no les interesa. Como el capitalismo lleva a lo peor
apoyándose en la condición humana sin importarle más que el beneficio, la
empresa eólica es el actor invisible, ausente pero impulsor de la tragedia:
lanzó una oferta que debe aceptarse por unanimidad y si no, ¡mataros!
Alguien vio que el film tendría dos partes, una, donde los hombres no
ven más salida que la lucha...a muerte?. Otra, que muestra la lucha de las
mujeres en una posición “no-toda”, algo más abierta. Olga, esposa de Antoine
cuestiona esa lucha, le pregunta ¿seguir...a qué precio? Aunque al final ella
incorpora la posición del marido, se queda para encontrar su cuerpo y quien lo
mató, quiere justicia, dice. Y la hija que no entiende la terquedad de la
madre.
Alguien opinó que en la relación madre/hija, se repite la situación con
el marido, en la discusión entre ellas hay un imposible de entender.
Se definió como cómplice la actitud de la madre de los asesinos ante: “mis
hijos no han sido”, lo que trajo la dificultad de aceptar la verdad de las
madres en los colegios, que se parapetan en el “en casa no es así”, “mi hijo no
ha sido”. Como la madre de los asesinos, se hacen cómplices del crimen. Hubo
incomodidad ante el “nos quedamos solas y vecinas” de la viuda a la madre de
los autores del crimen,
Otro se centró en la obstinación de los hermanos en vender y como dato, rescató
lo que dice uno de ellos: fueron a la ciudad y las prostitutas no quisieron
acostarse con ellos, porque olían a mierda. Es lícito que quieran abandonar esa
vida tan dura.
Algunos vieron en el film una oda a la soberbia burguesa, el
“iluminado” elige el lugar, la “superioridad moral burguesa”.
Que busca Antoine con filmarlo todo? Mostrar que tiene razón y la verdad.
Pero no hay nada asegurado. Poner la cámara para grabar lo que pase, que puede
ser su propia muerte, es a lo que lleva el extremismo de la verdad.
Se dijo el capitalismo no es empático, es el algoritmo del capital, es una
cuestión humana con el dinero, una satisfacción contraria a nuestro bienestar.
Te pone en situación sin salida, deja poca improvisación. Lo único imposible
para el capitalismo, es lo que nos hace humanos. La película toca la
bestialidad actual del capitalismo y la bestialidad que nos domina a todos,
como en la primera escena, deslumbrante la bestialidad de los que tratan de
domeñarlos y los domeñados!
Se señaló que aunque se habla del mundo rural y moral, en las ciudades
pasa lo mismo, alguien recordó un hecho real reciente en una comunidad de
vecinos: una vecina no paga la comunidad, otra va a reclamarle y termina
matándola. No es el mundo rural el malo y el de ciudad el bueno, hay que
reflexionar sobre la superioridad moral, la condición humana es así en todas
partes.
Otro señaló el contraste de “As bestas” con “Alcarraz”, en “As bestas” le falta
una explicación de la tragedia del campo gallego, no se contextualiza esa
realidad y la vemos, Antoine cree en el Estado y graba, un sinsentido, pero en
la realidad el Estado está ausente.
Siempre aprendemos algo...un tertuliano aportó datos sobre el caso real, base
del guion: el asesinato lo comete el menor de los hermanos. As bestas se llama
esa ceremonia para las yeguas, para los caballos tiene otro nombre y el
objetivo es desparasitarlos. Y lo que menos esperábamos! ¡¡la cámara existió en
el hecho real!!!.
Quiero cerrar esta crónica con una frase del texto de presentación de
Olga que es de total actualidad: “el delirio es intrínseco a la razón, un
delirio no es una proposición falsa, sino un estado determinado de la verdad
que puede incluso ser compartido por millones de personas”.
Un gracias!! al “María Pandora”, por su cálida acogida.
La tertulia nº 150 fue suspendida a raiz de la pandemia del Covid en 2019.-
(Para ver de la temporada 13ª en adelante, buscar en el Ítem "Temporadas")
Por Marta Mora
Esta
tertulia fue especial, había fallecido Viti, Victoria Eugenia
Alcázar, querida y fiel fan del cine y de nuestra tertulia desde el
principio. Quisimos rendirle un homenaje con una rosa sobre la mesa
donde se sentaba, transmitiéndole nuestro recuerdo y cariño. Olga
habló de ella, de su discreción y terminó leyendo un texto de
Carmen Martín Gaite:
“ “Lo
raro es vivir”
“A
mí no me extraña. Es que todo es muy raro, en cuanto te fijas un
poco. Lo raro es vivir. Que estemos aquí sentados, que hablemos y se
nos oiga, poner una frase detrás de otra sin mirar ningún libro,
que no nos duela nada, que lo que bebemos entre por el camino que es
y sepa cuándo tiene que torcer, que nos alimente el aire y a otros
ya no, que según el antojo de las vísceras nos den ganas de hacer
una cosa o la contraria y que de esas ganas dependa a lo mejor el
destino, es mucho a la vez, tú, no se abarca, y lo más raro es que
lo encontramos normal.”
Así,
conmovidas, nuestra colega Graciela Sobral dio inicio a la tertulia.
Mencionó
que es sobre todo una película ética, kantiana. Un hombre, muy
religioso, abocado a una decisión que lo lleva al extremo de elegir
su muerte. La narración transcurre en 1942, la guerra ha estallado
en 1939. Los austríacos son pro alemanes pero él, no. Él no quiere
ir a la guerra a pelear en nombre de Hitler, ese es el quid de la
cuestión. “someterse a la autoridad”, ¿a qué autoridad? ¿A
la autoridad de Dios, a la de Hitler, o de quién? También surge la
cuestión de la verdad ¿Qué relación tiene él con la verdad?
¿Cuál es la verdad?
Y
él acepta morir como una forma de ser fiel a sí mismo. ¿Por qué
no acepta decir que sí e ir a trabajar a un hospital? Su decisión
ética nos hace pensar en el término psicoanalítico de goce. No se
lo ve sufriendo por su decisión, pareciera que “disfruta”,
paradojalmente, manteniendo su “no”.
Esto
nos plantea profundas cuestiones ético-morales, ¿qué haría uno en
su lugar?
Tal
vez su sacrificio valió para ayudar a restaurar el orden, la
coherencia y la conciencia de una población devastada por la 2da
guerra mundial. O, como todos le decían, no sirvió para nada. Esto
es algo para debatir
Y
con estas preguntas iniciamos la conversación.
A
casi todos les llamo la atención el personaje. Aunque hubo judíos
que se negaron a hacer una lista para las cámaras de gas y se
suicidaron. ¿Lo hace para trascender en la vida? Su dios le exige
mucho, arrastra a su familia. No es una hagiografía. Su mujer le
ofrece escapar al bosque. Por aclarar, cuando decimos alemanes, nos
referimos a los nazis...
Ante
alguna queja por las tres horas del film, se dijo que lo bello lleva
un tiempo transmitirlo al igual que el horror. Nosotros ya sabemos
que pasó, él no sabemos que sabe, a través de la lentitud de lo
que va pasando, nos llegó la otra cara que es el horror, el horror y
el amor.
Se
asoció el personaje a los mártires cristianos aunque se dijo
también que los totalitarismos no tienen religión.
Se
apuntó a la pulsión de muerte, tiene tres hijas y las deja acosadas
por los vecinos en el pueblo.
Alguien
se preguntó porque impresiona tanto que vaya a la muerte. Nosotros
ya sabemos del holocausto pero no sabemos qué sabe él en ese
momento. Fran ya se sentía un hombre muerto en vida. No se opone
a la guerra se opone al nazismo, no quieres ser lo que Hitler quiere
que firme. Firmar sería una traición a si mismo, no tenía salida.
Otra
persona, no le parece un mártir, por la leyenda del final, lo tomó
como un héroe, y se fue al Seminario VII, “La ética” de Lacan.
La película tiene los ingredientes de la tragedia, lo bello de los
paisajes le ofrece al héroe su escenario, donde se despliega su acto
que lo producirá como desecho, mostrando el sacrificio, él parece
un ser hecho para el amor. Morirá para sostener un ideal fuera de
los limites morales, ideológicos, políticos hasta ese momento. No
conoce ni temor ni compasión porque no intercambia con el otro nada,
está entre la vida y la muerte, fuera de la culpa y la deuda. Lacan
dirá que ahí el sujeto es idéntico a la pulsión de muerte, hace
brillar en su propio cuerpo lo irrepresentable. Hay un deseo puro y
en el deseo puro hay algo mortífero, pero también hay deseo
decidido. Y lo que impresiona es que Lacan dice también que el héroe
“tiene una relación
verídica con lo real”.
Mencionó también una frase de Jacques Alain Miller: “El
fascismo después de la primera Guerra Mundial, promovió con fines
abyectos el retorno de lo heróico” (Buenos
días sabiduría. Colofón nº 14). y si hay que decidir, ella
prefería la vida.
Otra
trajo a Hannah Arendt y su texto “Eichmann en Jerusalén”, un
estudio sobre la banalidad del mal, donde la filosofa alemana
describe cómo Eichmann no era un sociópata ni un perturbado mental,
sino que realizaba su trabajo “eficazmente”, cumpliendo ordenes
superiores y con el deseo de aumentar su poder e influencia dentro
del sistema nazi. Justamente igual que el protagonista, que no parece
seguir su deseo sino que parece obedecer ordenes, pero en este caso
del superyó, llevándolo a lo peor.
Se
señaló la llegada del cartero como un elemento amenazante, el
esfuerzo físico del trabajo, el contraste de los paisajes, como en
Sonrisas y lagrimas, frente a una vida muy dura.
Muy
interesante el uso de dos idiomas, el alemán sin traducción, Malick
no quiso traducir para que como espectadores estemos allí, como
Franz.
Alguien
dijo que tenía sus propias contradicciones y seguía con las mismas
dudas. Hubo muchos intentos de que cambiara su decisión: La madre
cuando le dice “tú sabes mejor que nadie lo que es vivir sin
padre”, el abogado le dice “firma y tendrás la libertad”. Tal
vez la frase de la mujer “nos encontraremos en las montañas”
indicara que ella ha perdido la fe. La conciencia nos hace cobardes,
no lo entiende y apunta como explicación a la frase del padre: “es
mejor sufrir una injusticia que cometerla”, se quedó con malestar
pero a veces nos pasa, es “la insondables decisión del ser”, le
generó dolor pero él decidió y lo respeta.
Crónica 148ª
Pilar Berbén
Mirta García inicia este
debate, indicándonos que se trata de una buena película que no nos deja
indiferentes, nos hace pensar y reflexionar sobre diversos temas y
gracias al humor podemos enfrentarnos con este real tan duro.
Ha obtenido varios premios
importantes, como la Palma de Oro en Cannes, el Globo de Oro y es candidata
para los Oscar.
La filmografía de Bong
Joon-ho, transita por diversos géneros, siendo lo social un tema que le
interesa y está presente en sus películas. En una entrevista comenta cómo se le
ocurrió este guión en el año 2013 mientras filmaba otra película, recuerda que
cuando era joven había sido profesor de un niño rico. Aquella mansión, en la
que se sentía un intruso, era impresionante, incluso tenía una sauna en el 2º
piso y pensaba en lo divertido que sería si sus amigos pudieran colarse con
él en la casa. Pasaron 6 años para hacer efectiva esta idea.
La música y la fotografía son
impecables y tiene un buen ritmo. En cuanto a la interpretación es muy
buena. Me gusto mucho -sigue Mirta- la utilización que hace de los espacios y
los contrastes que establece. La familia pobre vive en un sótano, la rica en la
colina, en espacios grandes y muy solitarios. Una escena muy impactante es la
tormenta y lo que puede significar para unos y para otros. La lluvia devasta la
vivienda de los pobres, mientras en la casa grande, es contemplada detrás del
ventanal, con vistas a un maravilloso jardín.
Muestra dos mundos aislados y
antagónicos: los ricos y los pobres, en una época donde el capitalismo acampa a
sus anchas. Aunque transcurre en Corea del Sur, es extrapolable a cualquier
tipo de sociedad.
El término parásitos, continua
Mirta, para mi tiene una doble acepción, podríamos pensar que los de arriba
también son parásitos, ya que necesitan a los de abajo para el discurrir
cotidiano de su vida.
El olor a pobre es el detonante
de la película y lo que desata la tragedia. El desprecio y la humillación por
su condición de pobre, sumado a la situación trágica de su hija, hacen que el
Sr. Kit pase al acto y ocurra el desenlace fatídico.
Encontramos a mucha gente desesperada
en un mundo muy injusto, donde la igualdad de oportunidades es la única
garantía de un futuro social más equitativo. Zygmunt Bauman señala con
acierto: “La exclusión actual no se ve como resultado de una mala racha
pasajera, sino más bien como un destino irrevocable. Es más, la exclusión suele
ser un callejón sin salida”.
Efectivamente, en esta sociedad
consumista, donde grandes segmentos de la población han perdido sus trabajos
por diversos motivos, los pobres no son necesarios, porque no hacen engordar el
sistema, ya que no gastan nada, estorban, pertenecen a la infraclase, término
acuñado por Gunnar Myrdal en 1963.
Por tanto, estamos atravesados
por varios significantes: la inestabilidad, la imprevisibilidad y la
incertidumbre están patentes en todos los órdenes de la vida: trabajo, amor,
las relaciones que establecemos con los otros, etc, porque los ideales que
imperan son el individualismo, la competencia, las relaciones utilitarias y
poco comprometidas. Se trata de la época de la pulsión en su permanente y
constante empuje a la satisfacción, cuyo objeto puede variar, pero no su fin
que es siempre el de satisfacerse. Surge la pregunta qué ocurre con los sujetos
en esta época marcada por un capitalismo atroz en su vertiente neoliberal.
La consecuencia de este
panorama socio-económico, es que el sujeto desaparece y en su lugar aparece el
individuo consumidor, usuario, productor que con su yo inflado y sus objetos no
precisa de los otros para satisfacerse. La competencia a ultranza ha barrido
la solidaridad.
Todo esto tiene efectos en la
clínica, percibiendo que los sujetos tienen dificultades para subjetivar lo que
les pasa. Tienen dolores en el cuerpo, síntomas variados y dolor psíquico del
que poco pueden dar cuenta.
Las patologías del acto son
otra forma de sufrimiento de la época. La violencia, las adicciones en sus
diferentes formas o los problemas con la alimentación, son actos
compulsivos que empuja al sujeto a satisfacerse y a la acción, más allá de ser
acciones dañinas.
Con este panorama y tanta
proliferación de objetos, es indudable que el deseo está amenazado, necesitamos
un pequeño vacio, algo tiene que faltar, para que el deseo pueda emerger.
Encontramos sujetos desganados, sin ánimo para seguir luchando y con bastante
dificultad para conectar su malestar con este aislamiento. Es una época donde
cada vez más cae o se deteriora el mundo simbólico y la imagen prevalece por
encima de todo, en sus distintas variantes.
Para finalizar la intervención,
Mirta reflexiona sobre la forma de actuar que está familia tiene con sus
iguales de clase, donde el remordimiento y la culpa, apenas están presentes,
sólo se atisba algo en el padre cuando recuerda al chofer, preguntándose qué
habrá sido de él. La hija cierra el tema y contesta: “De lo único que tenemos
que ocuparnos es de nosotros”.
Comienza el debate en la sala.
Para la mayoría es una
espléndida película, quizás la mejor del año 2019, que atrapa, siendo un
acierto la elección. Con una puesta en escena apasionante y arriesgada, a
la vez suscita la idea de fluidez narrativa que no es habitual en el cine
oriental. A pesar de los giros de guión que nunca sabes por dónde va a salir,
no hay ningún tipo de fisura en todo el argumento, su lógica responde a una
temática interior que se va desarrollando y está perfectamente estructurada.
Sin brusquedad pasa de la comedia y la picaresca al thriller, donde se descubre
el búnker, siendo la casa un protagonista más de la película.
Hiriente y conmovedora, es una
sátira sobre el mundo contemporáneo, con mínimas pegas, por lo que fácilmente
se pueden perdonar sus excesos, a punto de escapársele al director en el tramo
final.
El humor no tiene como
función aliviar la realidad, sino más bien es la puerta de entrada para llegar
a entender lo que realmente quiere transmitir el director. Porque así de negra
y compleja es la realidad. Refleja las aristas más variopintas que hay en todos
los colectivos y se sitúa en el filo imposible donde se colocan los genios.
Las estadísticas nos indican
que una mínima parte de la población detenta toda la riqueza del mundo y
sorprende lo presente que está el sistema neocapitalista y sus mecanismos de
dominación en la película. Hay tanta gente con mucho talento y absolutamente desaprovechada,
al no poder demostrar sus habilidades por falta de oportunidades. El director
da mucha importancia a la desigualdad social, y nos lo muestra continuamente,
por ejemplo, a través de sus viviendas y el lugar que ocupan en la ciudad
(arriba y abajo).
Por otra parte, cada familia
está compuesta por cuatro miembros, pero son muy diferentes. Los Park son
amables y muy ingenuos, meten en la casa a personas de las que no saben nada,
otorgándoles todo tipo de confianza, aunque también son clasistas y tienen una
gran soledad, ellos están aislados, viven en su burbuja, mientras que los
Ki-taek son más ladinos o taimados, también más solidarios entre ellos, se
apoyan y van construyendo su picaresca.
Sobre esta familia hay
opiniones muy diferentes: son ambiciosos, no aprovechan la oportunidad
y no tienen suficiente. La pobreza no justifica la desidia y dejadez en
la que viven. Echan al chofer y cuando el ama de llaves anterior les pide ayuda
para su marido, se pelean con ella hasta que la matan, son crueles. Ellos están
unidos como una piña, pero no tienen ninguna relación con sus vecinos. Por otra
parte, esta familia despierta cierta simpatía, son creativos y proactivos. No
son perversos, ni malvados. La crueldad es con la que el propio sistema los trata.
Son supervivientes y sobre la marcha van improvisando. (El hijo pregunta:
¿Tienes un plan? Contestación: El mejor plan es no tener plan).
Se reflexiona sobre los temas
siguientes:
El olor, asimilado a lo subterráneo, se visten
normal, pero su espacio vital es lo que les marca y huelen así, aunque se laven
(dice el niño: todos huelen igual) Es esa pregnancia de “eres pobre, aunque te
laves”. En contraste con el espacio y la pulcritud de la casa grande. Es una
sutileza más de Bong Joon-ho, aquí está muy presente y le da mucha importancia.
Puede fomentar rechazo y prejuicios.
La educación que debería ser bidireccional, es decir,
no sólo que las personas con menos recurso puedan acceder a una educación
plural, sino que también los otros no se queden sólo con la ideología de sus
padres, que vean la diversidad para sacarlos de los guetos en los que viven. En
la película aparece la dicotomía absoluta del niño rico abandonado dentro de
esa gran casa, él ha visto a un hombre subir por la escalara ¿Alguien se ha
sentado a hablar con él? Nadie le escucha ni le cree. Lo cierto es que
todos están abandonados a la soledad y a su propio goce. No hay vínculo. La
educación es primordial y tenemos que luchar no para que esté en la igualdad,
sino en la equidad, que no es lo mismo.
Es un grave problema y da
cuenta de lo que está sucediendo con los niños, más allá de su clase social.
Muchos están abandonados a su suerte y con sus objetos. Los psicoanalistas lo
vemos. La estructuración subjetiva siempre pasa por la relación con el otro que
es el que te habla o te contesta. Es decir, el vínculo a través de la palabra
hablada y escrita.
Solidaridad y amor. No hay dos familias, sino tres. Sorprende
la aparición de la primera empleada doméstica. La conversación con el marido es
una escena divertida. Si hay algún personaje al que adornar, es a esta mujer y
a su marido, que rescatan la dignidad de la solidaridad porque lo que hacen es
por un vínculo con el amor, ella quiere mantener vivo a su marido y él dice que
al final de su vida querría disfrutar de su amor, al morir ella, se
siente sólo y encerrado en ese sitio.
Por otra parte, llama la
atención en esta película, la falta de solidaridad del resto. Se deshacen de
los que son tan pobres como ellos, pero que han conseguido un estatus y se los
ventilan sin remordimiento. En cambio, el amigo le ofrece el trabajo de
profesor. Se señala que la elección siempre es en singular.
Ante las dificultades y la
desigualdad ¿los de abajo se van a unir o se van a matar entre ellos? Este es
el gran dilema. Porque si se unen, no van a permitir que estos parásitos
(ese 10%) siga chupando la sangre de todos los demás. No hay duda de lo
que es un parásito, es un ser que vive a costa ajena. Hay mucho exceso tanto en
una clase como en otra. Todos somos parásitos del sistema, aislados, atrapados
para gozar y satisfacer el momento. No somos robot, para gozar hace falta
un cuerpo vivo.
Las tecnologías. Sorprende en muchas ocasiones, como
cuando en medio de tanta pobreza, la mayor preocupación es buscar la wifi del
vecino para tener cobertura. Apreciándose un guiño a las tecnologías,
continuamente se usa el teléfono móvil. A veces de una forma fraudulenta, para
cambiar el currículum a través de internet, sin que nadie se dé cuenta.
Todos queremos gozar de lo
mismo. Hay un gadgets que al parecer nos iguala. Los teléfonos móviles son los
más vendidos en cualquier clase social, podrá diferir la calidad del móvil,
pero es lo primero que se compra, incluso por delante de los productos de
primera necesidad. Por otra parte sin wifi no hay posibilidad de nada, el wifi
te da acceso a la información, todos anhelan la comunicación virtual, aunque
sabemos que lo que tiene peso es la comunicación real.
Sociopolítica. No lo conozco con precisión, pero tengo la
idea de que la sociedad de Corea de Sur es bastante más parecida a la sociedad
occidental que otras asiáticas, quizás por la influencia de EE.UU. No es sólo
una película hecha para que la entendamos en occidente, más bien nos muestra
cómo es la sociedad Coreana, Hay varias cuestiones metafóricas, una es la
tormenta, con una secuencia que nos hace pensar lo tremendo que es una
inundación. Cómo el gran problema climático que tenemos en la tierra, va a
empezar matando a la mitad de la población mundial del sur, empezando por
África y otros lugares y es tremendo cómo el cambio climático no afectará de la
misma manera a unos que a otros.
Se han quedado tan capturados
subjetivamente con el discurso del neoliberalismo que a lo único que aspiran es
a ser como los ricos. Es decir, la única salida es pasarlo bien en aquel salón
emborrachándose. Es la gran admiración por la cosa, por el objeto.
Por otra parte, estas personas
no representa a una clase media, más bien una clase media pauperizada. Los
hijos habían hecho el ingreso en la universidad. En nuestra sociedad actual el
acceso a la educación universitaria o a la titulación no garantiza nada. Hay muchos
universitarios que no tienen trabajos o tienen trabajos que los condenan a una
vida de miseria.
Es una sociedad sin recursos
propios y están mentalizados que sólo dependen de ellos. La educación
surcoreana es extremadamente competitiva. Había muchos suicidios entre los
adolescentes, porque su currículum académico es muy exigente.
Al final se vislumbra cierta
esperanza y la única salida que muestra es por amor, al fin y al cabo la
película termina con un sueño de ascenso social que es dar vuelta a la tortilla,
es decir, no cambiar nada, sino ocupar el lugar del otro. El joven escribe la
carta, va a ganar dinero, va a comprar la casa, (aunque luego nos dice
que eso no ha pasado) lo quiere por amor, para poder encontrar a su padre que
él supone encerrado allí y que no quiere acceder al padre de una manera
violenta. Ni matando a nadie en la casa. Hay un cierto descontrol en las
acciones y cada uno vuelve a ocupar sus lugares, dejándonos un final abierto.
Como no es posible extenderse
más y por si alguien está interesado, se han hecho varias recomendaciones
que señalamos sin profundizar en el contexto:
-
Película del mismo
director: Mother.
-
Película: “Viridiana”.
Luis Buñuel.
-
Película: “La Trichera
infinita”. Jon Garaño, Aito Arregui y José Mari Goenaga.
-
Libro: “Los Topos”
1977, de Jesús Torbado y Manuel Leguineche.
-
Libro y película “Los
Santos Inocentes” Miguel Delibes y Mario Camus.
-
Poema “El niño yuntero”
de Miguel Hernández.
-
Exposición los dibujos
de Goya. Museo del Prado.
Ha sido una tertulia con una
gran asistencia y abundante e intensa participación, por lo que damos las
gracias a todos, así como al Café Libertad por sus atenciones.
Nos vemos el
próximo día 21 de febrero de 2.020
Tertulia El Séptimo
Pilar
Berbén
Marta
Mora inicia el debate con dos frases, para mostrarnos el marco en el
que se desarrolla la película que es el funcionamiento del
neoliberalismo y sus efectos. La primera de Margaret Tatcher: “La
economía es el método, la finalidad es cambiar el corazón y el
alma”. La otra es del
libro de Jorge Alemán: “Capitalismo.
Crimen perfecto o emancipación”
(Pag. 51): “Lo
específico y determinante del neoliberalismo consiste en ser el
primer régimen histórico que intenta,
por todos los medios, alcanzar
la fundamental y primera dominación simbólica, al alcanzar los
cuerpos y capturarlos por la palabra en su dependencia estructural.
Dicha dependencia constitutiva es la que opera como condición
de posibilidad de los legados históricos y las herencias comunes,
donde la memoria puede aún recoger el
dolor de los
excluidos en el pasado, y si bien de ningún modo es garantía de
ello, sí su condición de posibilidad”.
“Quiero
hacer hincapié en que somos seres de palabra y en el encuentro del
cuerpo con la palabra, se producen marcas de goce que orientarán la
vida. Esa es la primera dominación simbólica y estructural de la
que habla Alemán”.
Marta
sigue, leyendo una frase del diario de Arthur, que resume bien el
discurso capitalista y la pulsión de muerte: “Espero que mi muerte
genere más dinero que mi vida”.
Se
abre el debate a la sala.
El
cine no es sólo entretenimiento, en esta ocasión, nos sumerge en
territorios desagradables. Incómoda, dura de ver, oscura,
claustrofóbica, generadora de una gran angustia, son algunas de las
expresiones de los participantes en esta tertulia. Se palpa la
violencia que en cualquier momento puede estallar. Por otra parte,
fue muy elocuente el largo silencio que precedió hasta que se
pudieron decir estas palabras: “Así salimos todos de Joker…
Mudos”. También se expresa que es tramposa porque parece que es
imprescindible tener éxito y por el maniqueísmo que expresa entre
el bien que siempre triunfa frente al mal, cuando, para otros, estos
son los dos lados de una misma moneda, ya que tanto el bien como el
mal están dentro de nosotros, pero no juntos, hay un mundo entre
ellos, Una cosa es pensar algo y otra hacerlo, hay diferencias
fundamentales.
Es
Impresionante el trabajo de Joaquín Phoenix, empleó mucho tiempo
para construir este personaje, el resultado es una interpretación
magnífica y extraordinaria. Profunda y elocuente su mirada, sus
pocas palabras llenas de verdad, y la risa incontrolada que expresa
ira, dolor y llanto. Sin duda se merece un Oscar.
En
cuanto a Joker, despierta compasión, no sabemos a dónde va, él
tampoco. La frustración y la indefensión ante el sistema. La
sociedad le empuja al agujero, las instituciones le abandonan, la
gente le humilla y le desprecia, sólo quieren reírse de él. Se
rebela, canalizando toda su furia interior contra el sistema y quiere
imponer el orden y la justicia. Es la sociedad la que está enferma.
Para quién no conocía la historia de Joker, albergaba la esperanza
de que algo pudiera salvarlo de tanto sufrimiento y desolación.
La
opresión del individuo a manos de un sistema alienante, atrapado en
la cara más cínica del poder. ¿Qué vía de escape le ofrecen sino
la locura? Su sufrimiento es tan estremecedor y palpable, que el
espectador no tiene otra salida que culpabilizar a la sociedad. Una
sociedad que discrimina más a quién menos tiene. En una ciudad,
llena de grafiti, llena de basura. El presunto malo es el
protagonista y quién debía ser el bueno es un sistema que oprime a
los más débiles.
En
esta sociedad individualista, Joker es un invisible como otros
muchos, donde la violencia le permite ser visible. Es un gran
peligro para él y para el resto de la sociedad. Da miedo la escena
donde todos se vuelven Joker. Es decir, cuando la multitud se pone
una máscara y ya deja de ser persona, convirtiéndose en una masa
anónima que mata o hace lo que sea. Esto sí que encierra un gran
peligro y da mucho miedo. Lo vemos a lo largo de la historia,
causando grandes desastres, o guerras. Ya sabemos lo que pasa cuando
el malestar de la sociedad es aupado por un loco y arrastra a todos a
la violencia. Quedan en el
aire algunas preguntas: Toda esta gente que le sigue ¿detrás de
quién va? ¿A quién siguen? ¿Dónde está la causa?
Por
otra parte, es una metáfora sobre la violencia que hay dentro de
nosotros. La sociedad capitalista no tiene respuestas. Ni tenemos la
mirada de los otros, ni tampoco los miramos. Hay mucha juventud que
no encuentra sentido y se identifican defendiendo causas y justifican
la utilización de la violencia por tener una misión.
Se
mencionan varias escenas de la película como cuando en el autobús
Arthur juega con un niño y la madre está incomodísima y se vuelve
diciendo: “Deje de molestar a mi hijo!” él le muestra el papel
donde tiene puesto cual es su problema con la risa, la madre le pide
disculpas. Otra escena fundamental es cuando el presentador Murray
Frankin (Robert de Nilo) le invita a su programa, tiene una gran
satisfacción y se desinhibe, está muy contento, sabe que está en
directo y es increíble la lucidez que tiene y el discurso que da, al
final le pega dos tiros. Es una gran escena. Por último: Se le ve
feliz en el hospital, actuando para los niños, de pronto se le cae
la pistola, es dramática la escena. Dice por teléfono, por favor
este trabajo a mí me gusta mucho… Ahí le destituyen como payaso y
se queda sin sustento económico, sin asistencia médica y con un
arma.
A
propósito de las armas, se comenta la facilidad de conseguir armas
en los EEUU, ya que la Segunda Enmienda de su Constitución protege
el derecho de poseer y portar armas, siendo uno de los países con
menos limitaciones para su adquisición. Si un enfermo mental se ve
tentado de ejercer la justicia por todas aquellas crueldades que
está sufriendo y puede conseguir un arma con facilidad, el resultado
lo muestra la película. Como bien sabemos, la realidad es mucho más
dura que la ficción, así continuamente vemos los efectos que esto
causa, basta leer las noticias. Por otra parte, en las sociedades
democráticas la justicia la delegamos en otros. Nosotros no podemos
ejecutar la justicia cuando nos hacen un agravio.
La
enfermedad mental es un campo muy amplio y con muchas variables, no
sabemos concretamente qué le pasa a Joker, pero en esta película
vemos la importancia que tiene sostener unas políticas sociales
adecuadas, frente a cualquier otro tipo de inversión, porque aunque
el agente social que lo atiende no fuera el mejor, al menos tenía un
anudamiento. Después ya no tiene nada, hay un desbordamiento total y
se instala en otra deriva, sin ninguna contención. Es un personaje
torturado que puede ser un peligro para él y la sociedad.
En
España también los débiles y los pobres lo tienen muy difícil. La
precariedad actual en que viven muchas personas, no se distancia
mucho de la película. (Sólo tenemos que ver lo que pasa a las
puertas del SAMUR Social de Madrid en estos días, donde mucha gente
no tiene donde dormir y con una soledad espantosa). Algunos somos de
otra generación, pero reflexionemos cómo viven muchos jóvenes hoy,
a solas con los “gadgets”, con una pantalla, 200.000 seguidores
y pocos o ninguna relación.
Películas
que se mencionan: “El caballero Oscuro”, que enlaza bien con
ésta, y se observa de dónde procede el personaje Joker, aunque su
historia es otra. En el otro lado de la balanza estarían la película
canadiense: “La caída del imperio americano” y “El blues de
Beale Street”, aunque muy diferentes cada una tienen en común la
rebeldía frente al malestar social, demostrando que hay otras
respuestas al maltrato que los sujetos sienten frente al
neoliberalismo, pero es una respuesta desde el lado del amor. En el
Joker, por el contrario, no hay amor, nada, no tiene dónde
agarrarse. Hay dudas de que el vínculo con la vecina existiera, es
posible que fuera fruto de su invención. Se hace hincapié en la
importancia del amor en la infancia. Por el contrario, el maltrato y
el abuso no son sin consecuencias, aunque cada uno tiene respuestas
diferentes frente a los acontecimientos de su existencia.
En
este sentido, se recomienda el libro autobiográfico: “Instrumental”
del pianista James
Rhodes. En él cuenta cómo la música le salvo la vida y le permite
soportar el sufrimiento, pero esto fue posible a través del
encuentro con alguien que cree en él como pianista, es decir, el
vínculo con el otro del amor, en contraposición al puro goce del
exceso y la violencia. Siempre insistimos en la importancia de la
educación vinculada al encuentro con un docente que sostenga su
deseo, su apuesta por el acto educativo, frente a los sujetos en
construcción. Manteniendo la oferta educativa los sujetos pueden
construir algo nuevo. Por el contrario, en toda la película no hemos
visto ninguna oportunidad para salvar a Joker, vive en un mundo donde
no hay amor. Nadie encuentra amor, ni da amor.
Se
menciona también “V de
Vendetta” película
que muestra a V un combatiente por la libertad que se oculta bajo una
máscara, pero no es tramposa como Joker, porque él se sacrifica por
un ideal y las masas le siguen enfervorizadas para sostener una
causa.
Para
finalizar, señalar que es peligroso el vínculo explicito que
establece la película entre violencia y las enfermedades mentales.
Para los psicoanalistas siempre entre la causa y el efecto hay una
decisión del sujeto y está la insondable decisión del ser. Con una
infancia difícil no todos los sujetos se vuelven locos, delincuentes
o maltratadores, con las mismas cartas otros hacen otra cosa.
Dando
las gracias al Café Libertad por sus atenciones, a los asistentes
por su participación, les deseamos pasen buenas Fiestas. Nos veremos
el próximo día 17 de enero de 2020.
Tertulia El Séptimo
Crónica 146ª
"Diecisiete"
Director: Daniel Sanchez Arévalo
Por Marta Mora
Coordinó
nuestra colega Pilar Berbén, nos habló del director ampliamente, de
su regreso al cine después de 7 años y de su interés por filmar su
quinta película en Cantabria con caras nuevas. Su uso del cine para
avanzar como persona. Narra aquí una historia de dos hermanos que
gracias a un viaje quijotesco se reencuentran, una abuela que se hace
entender con una palabra: “Tarapara”, una perra que sirve de
motivo de vida a un chaval y de otra coja, como metáfora de la
existencia humana, todos cojeamos. Destacó una frase que uno le dice
al otro, “hay que aprender a perder”, como enseñanza sobre lo
positivo de las derrotas y la paciencia necesaria, en esta época
donde lo queremos todo y ya.
Y
dió la palabra a los tertulianos, quienes en general opinaron que es
una película sencilla, que resalta muchos valores y enseña algo
sobre los adolescentes, que sería para proyectarla en las escuelas.
Una película humilde, donde hay amor.
A
Alguien le pareció interesante que se tratara de una historia en el
aquí y ahora, que aporta mínimos datos sobre el pasado que
descubrimos a medida que avanza el relato, marcada por los
sentimientos y la fragilidad, todos unidos por una carencia.
Apreciaron que las películas de este director muestran a hombres
vulnerables. Valiosa, fue otra opinión.
Alguien
vio el aislamiento de Héctor, como una manera de salvarse y sobre
los animales que se utilizan como terapia, la pista nos la da Ismael
cuando le recuerda a Héctor que él era “su perro” de niño,
como un juego y un mimo. Respecto de la cojera de cada uno, Ismael la
muestra cuando le confiesa su miedo a ser padre y Héctor le anima y
le dice, como que no sabes? Si has hecho de padre conmigo!
También
se comentó que más allá del sentido, lo sutil de la escena del
final es que nos revela la marca que Héctor tiene de la infancia. El
perro es importante para él por esa marca. Como se habló del
abandono de Héctor, dado que Ismael lo denuncia y lo envían al
centro de menores, indicó que no le parece un abandonado, lleva dos
años en el centro, el vinculo con el hermano es muy fuerte y con la
abuela. La apuesta a hacer para nosotros es que el director lo
muestra bien, con la palabra “tarapara” de la abuela, hace como
se hace con un bebé que entra en el lenguaje, los hermanos le dan su
significación, lo interpretan.
Se
plantearon preguntas e interpretaciones sobre porqué Ismael denuncia
a su hermano y sobre qué debe hacer la familia en estos casos. En el
relato hay un detalle que responde sobre esto, Ismael no quiere que
termine en lo peor.
Se
observó el tipo de “delincuencia” de Héctor, roba objetos de la
necesidad para su abuela y reconoce que fue un capricho la
afeitadora, por la que lo pillan.
Tampoco
pasó desapercibido el regalo del Código Penal de la jueza, objeto
preciado que los compañeros destrozan y el vuelve a reconstruir, tal
vez como ´metáfora de su intento de reconstruir y reconstruirse. Y
también se señaló que este regalo cumple el papel de ley que le
falta.
Como
en algunas críticas definen a Héctor como un Asperger, alguien nos
informó de dos visiones sobre el autismo, una por los síntomas y
otra posterior, que lleva el nombre de quien lo definió, Hans
Asperger, que propuso una pedagogía curativa. El psicoanálisis
define al ser humano como un ser de palabra, no hay ser sin lenguaje
y de eso se deriva que no hay sujeto sin Otro. El autista rechaza y
se defiende del Otro, pero eso no quiere decir que no tenga un Otro,
lo que no sabemos es de que Otro se trata. Y si también decimos que
no hay sujeto sin síntoma, vemos el síntoma como un intento de
curación y habrá que entender cual es el funcionamiento del síntoma
en el autista. El síntoma no es un déficit, es una creación
subjetiva ante una encrucijada vital que angustia y es insoportable.
Otro
se preguntó en alto, qué es más delito? Un chico que roba un
calefactor para su abuela o que un mayor pase frio? Yo metería antes
al sistema en un reformatorio que a un chico. Lanzó la hipótesis
que lanza el director sobre el espectro autista, que es más autista?
un sistema que necesita poner perros para que puedas acariciar o un
sistema que no te acaricia? Ocho millones de pobres ocupan un lugar
de carencia del sistema. Otras claves del director, la escena final,
cuando se despiden Héctor pregunta si podrá contar con él, con
Ismael cuando salga e Ismael le hace el perro. Le está diciendo,
tendrás compañía, pues se ha dado cuenta que solo se necesita ser
alguien para cada uno de nosotros. Y el sistema no puede decirnos, el
que pueda que se salve y el que no, a la mierda! Para eso está el
Estado.
Otro
señaló que en la adolescencia hay que acompañar, es un momento
vital, eso es lo que piden; no abandonarlos, los profesores de la
peli están en ello. No hay que retroceder ante el acto educativo
ante la tendencia a la homogeinización de la época y hay que estar
atentos a la singularidad de cada uno. Y nos recomendó el libro de
Daniel Pennac, “Mal de escuela”, libro de cabecera para el
espacio de Investigación de psicoanálisis y educación.
Terminamos
con el deseo de volver a vernos el 15/11/19, en este café al que
agradecemos su hospitalidad.
Tertulia El Septimo
Cronica 145ª
"Quien a hierro mata".
Director: Daniel Sanchez Arévalo
Por
Marta Mora
Coordinó
nuestra colega Olga Montón, empezó señalando iniciamos la
temporada 18ª, que no hacemos un análisis técnico de la película
propuesta, que como lo indicamos en el blog y en los emails que
enviamos, es una mirada psicoanalítica sobre el cine.
El
título como augura la frase cortada, va de venganza.
Los
psicoanalistas estamos enterados que la venganza tiene que ver con un
duelo sin elaborar y todo crimen remite al asesinato del padre. Freud
en Tótem y tabú, relata que los hijos hartos de la arbitrariedad
del padre, lo matan y celebran una comida totémica con su cuerpo y
sellan así un pacto de mutuo respeto, que da origen a la comunidad
humana. De ahí que toda convivencia tiene como base una cesión de
satisfacción para relacionarse con el otro. La neurosis está muy
ligada a la venganza y la culpa, el neurótico acusa al otro de sus
males porque su sufrimiento es la
única prueba que tiene de las maldades que le adjudica al otro.
La desaparición de su sufrimiento lo dejaría sin argumentos. Freud
tiene una frase formidable con respecto a la venganza, dice que hay
mujeres (también hombres) que no se divorcian porque no han
terminado de vengarse. La otra cara de la venganza sería la culpa.
Nos
recordó el “Señor, perdónalos porque no saben lo que hacen”.
Posteriormente
Marx afirmó;“No sabrán lo que hacen pero lo hacen igual”.
Los
psicoanalistas con Freud podemos decir:“saben lo que
hacen y lo hacen igual”. Uno
es responsable de sus actos.
Si
la culpa de lo que me pasa es del otro ¿como hacer caso del “amarás
a tu prójimo como a ti mismo”? A
este mandato cuestionado por Freud, ¿como amarlo como a mi mismo si
continuamente me hago daño?, Lacan le da una vuelta mas y ahí
ubicó lo Éxtimo, donde lo exterior y lo más intimo no tiene un
limite claro. Ese mandato, imposición de la cultura, proviene del
superyo y enferma, genera resentimiento y remordimiento, que se suele
ocultar con la apariencia de una tierna bondad. No es Mario el mejor
enfermero? El mas paciente, el más tierno?También habló de la
justicia como condición de la paz, que no elimina las pasiones pero
las regula. Por esto la justicia es una instancia reparadora que abre
la posibilidad de tramitar el odio.
Y
así iniciamos nuestra conversación.
Algunos
no vieron culpa en Mario, ayudó a morir a su hermano, es como una
eutanasia...Otro apuntó al duelo, cuando se pierde un objeto
preciado es preciso separarse de lo que uno invirtió anímicamente,
“la sombra del objeto cayó sobre el yo”, cuando uno se aferra al
objeto es imposible el duelo. Separarse del objeto permite hacer otra
cosa, libera. La mujer de Mario sí ha podido hacer el duelo.
Otro
señaló que la justicia es una venganza delegada. Mario repite el
acto que hizo con su hermano, se confunde venganza con eutanasia.
Padín, el narco, un padre real, que no hace nada por sus hijos, lo
arroja a la culpa.
A otro lo llevó a una reflexión sobre las
residencias y los ancianos a merced de los cuidadores y la violencia,
y los chinos como narcos inteligentes. Lo narco bien tratado, Padin
con un testamento se carga a todo el mundo.
Otro
opinó que Mario tiene una oportunidad de vida y no la alcanza, tiene
una mujer, un hijo por llegar pero eso no lo detiene. Señaló la
casi nula presencia de mujeres en el film. Solo la doctora del
geriátrico y la mujer de Mario.
Se
señaló que no hay transmisión generacional sin poder hablar del
trauma. La escena final, hay una repetición imparable. Una película
llena de matices, el malvado que no se muere en paz, el dominio sobre
el otro, hacer el mayor daño posible al otro.
Otro
vio en Mario deseo de venganza y una satisfacción, el ojo por ojo es
el motivo de su existencia y eligió por fuera del amor, el
desamparo. Aunque no se haya visto vale la pena venir a la tertulia.
La venganza puesta del lado de la pareja de Mario, mata a la madre de
su hijo y deja al niño vivo y único heredero.
Para
otro la escena final fue impactante, y ahí entendió la frase de la
presentación de Olga de “Ver el horror asociado a la belleza del
nacimiento”.
Se puede tramitar la culpa y no perdonar, fue un
apunte importante.
Ante
la muerte hay culpa. El odio de Mario a Padin es un odio contra algo
propio, la profesión también dice mucho, no ejerce en un hospital.
La culpa de Mario es tácita, no hay muestras de culpa. No busca
fuera nadie que lo ayude, asume solo esto, algo como de echar la
culpa fuera y en la violencia. Lo más grave, cuánto habrá de él
que desconoce. Hay un perfil, pasar de “todo para el otro” a
“muerte al otro!”.
Padin
muestra la cosa narcisista “no es mi herencia lo que va a envenenar
a tu hijo, eres tú”, le trata como un igual, de malo a malo, le
dice en plena ejecución de la venganza de Mario, “no eres muy
distinto que yo”.
Como
colofón alguien señaló lo maravilloso de la literatura y el cine y
está lo que uno añade.
Agradecemos
a los que asistieron, pese al adelanto horario fue una tertulia
concurrida y participativa, posible gracias al Café Libertad 8.
Los
esperamos la próxima!!
Tertulia
El Séptimo
Crónica
144ª
"Clara
y Claire"
Director:
Safy Nebbou
Por
Marta Mora
Coordinó
esta tertulia nuestra colega Olga Montón, mencionando tres finales
subjetivos posibles:
Claire
termina la relación con Alex y es Ludo quien le informa del suicidio
de Alex porque una joven le ha destrozado el corazón. Aquí vemos la
venganza de Ludo.
Claire
escribe una novela afrontando la realidad pero al final muere
atropellada.
La
psiquiatra busca a Ludo que revela que Alex esta vivo, tiene pareja y
un hijo y le cuenta a Claire la verdad. Es el final, Claire tiene en
las manos el móvil con el que contactaba con Alex.
También
mencionó el tiempo, en esta época de las redes, de respuesta
inmediata, sin tiempo para pensar, dudar e inventar. La pantalla hace
de velo al no hay relación sexual. si no hay cuerpo a cuerpo todo es
posible… en la imaginación, no existe la imposibilidad.
Y
con el epígrafe de “Toda mujer, nada madre”, tomó como eje el
tema de la Otra mujer. La Otra encarna el enigma de la femineidad
para el sujeto. En la histeria, la instancia de la Otra mujer
desborda en mucho el plan simplemente imaginario de la doble o de la
rival. La Otra mujer existe como un elemento de la estructura
simbólica inconsciente articulada al padre y al falo simbólico. La
Otra no es cualquier mujer. Al no haber en el inconsciente el
significante de La Mujer, nada en el registro simbólico puede
suministrarle una identidad segura, hay un defecto universal
identificatorio, hay un agujero, esto es lo que debe afrontar cada
una. Es por esto que la solución encontrada por una mujer al enigma
de lo femenino pasa comúnmente por la fijación, el enganche, a una
mujer singular o a otras, para responder a la pregunta ¿qué es una
mujer?
Es
entonces cuando el surgimiento de Otra singular, como en el caso de
la película la sobrina, en una coyuntura determinada, le resuena en
el inconsciente provocando un desencadenamiento, haciendo vacilar el
equilibrio del fantasma histérico y desencadenando el estrago. Para
que una mujer (la sobrina) adquiera la función de la Otra mujer, es
preciso que sea tocada la posición privilegiada que Claire tiene en
la vida de su partenaire. También
un acontecimiento, una palabra, etc, puede poner en movimiento esta
función de la Otra mujer para otros sujetos.
Y
comenzamos a comentar.
En
vez de tres alguien vio cuatro finales, el cuarto sería a quien
llama en la ultima escena?.
Coincidimos
en la actuación brillante de Juliette Binoche, pero hubo criticas a
la película, algunos les pareció muy hablada y poco creible la
contradicción entre la formación de Claire y su torpeza en la vida.
El director muestra las clases sobre Ibsen y su Casa de Muñecas que
imparte Clara como alusiones a lo que va narrando. Claire dice dos
lineas de un poema de Rilke:
“Apaga
mis ojos, y podré verte,
cierra mis oídos, y podré oírte,”
Les
dejo el resto:“y
sin pies podré llegar hasta ti,
y aun sin boca podré
conjurarte.
córtate los brazos, te abrazaré
con el corazón
como con las manos,
párame el corazón, latirá el cerebro,
y
si en mi cerebro arrojaras fuego,
aún
te llevaría sobre mi sangre.”
Comentando
varias escenas surgieron otros temas, las dificultades de la
diferencia de edad en lo social, se acepta un hombre con una
jovencita pero no a la inversa, la invisibilidad de las mujeres a los
50 años... que consumió bastante tiempo.
Pero
alguien señaló que pensaba que nos confundiríamos si nos quedamos
en eso, ella juega con la otra, joven, juega para ver que sentiría
la joven. Tiene mucho que ver con estos dispositivos donde se juega
con la fantasía.
Otro
que no la vio, pero prometió verla, arriesgó por lo escuchado. Tomó
el titulo original, “Quien crees que soy”, interesante pues no es
una pregunta. Ella está interrogando el deseo de un hombre por esa
mujer, lo que le interesa es hacer existir la relación, estar en el
medio, a tal punto es la otra.
Se
cuestionó la excusa del marido, “no hay consanguinidad”, para
irse con la sobrina. Ese significante fue puesto en cuestión, lo
consanguineo es un dato real pero esa sobrina fue criada por ellos
desde pequeña, eso hace un vinculo especial. Como se mencionaba
mucho a “la psicoanalista” en diversos comentarios alguien señaló
que se trata de una psiquiatra, terapeuta si. Y lo terrible de lo que
dice Claire, “morir si, pero no morir abandonada”.
Ante
el “no morir abandonada”, alguien preguntó si no es mas terrible
vivir sola? El desamparo es no saber que quiere el otro de mi. Se
marcó la diferencia entre el saber y el deseo. Que pasa con las
relaciones virtuales? Para vivir hace falta un cuerpo, en una
relación cuerpo a cuerpo se puede fantasear ser otra pero hay
limites. Cuando no se acepta lo otro en nosotros, aparece la
segregación.
Y
terminamos con la pregunta de alguien que jugando con el titulo en
español se preguntó, quien es ella? Clara o Claire?.
Terminamos
con mutuos aplausos como es habitual, no sin antes escuchar las
palabras de una tertuliana habitual que agradeció este espacio en la
ciudad, a la Comisión del Séptimo el trabajo y la selección de
películas interesantes a su entender.
Agradeciendo
la acogida del “Café Libertad 8”, nos deseamos ¡¡Felices
vacaciones!!
Esperamos
vernos el próximo curso!!.
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