Crónica

Crónica 160º
"La virgen roja"

Directora: Paula Ortiz

Por Marta Mora

Coordinó esta tertulia nuestra colega Mirta Garcia Iglesias, comentando que la directora Paula Ortiz, es directora, guionista y productora española de esta película, autora de varias películas y cortometrajes, muchos de sus trabajos fueron nominados y obtuvo dos premios, a mejor dirección y mejor directora novel.

La virgen roja está basada en hechos reales, esta terrible tragedia ocurrió en los años 30 en Madrid. El periodista Eduardo de Guzmán escribió un libro titulado Aurora de Sangre cuya adaptación llevó al cine Fernando Fernán Gómez con el título Mi hija Hildegart en 1977. También hay un cortometraje y un documental, aunque tanto la película de Fernán Gómez como los otros trabajos están centrados en Aurora, mientras que en éste la mirada está puesta en la relación madre e hija, donde se pone en juego el amor, el odio, la rivalidad.

Lacan llamó estrago materno a esta relación en que la madre toma a su hija como objeto de goce. Sabemos que el estrago es estructural, pero en este caso, impregnado por la locura de Aurora, se torna trágico. Aurora no quiere saber nada con la feminidad y su hija le evoca precisamente el ser mujer que ella rechaza. Hildegart cayó en el olvido durante la dictadura franquista, todos sus libros fueron prohibidos y su figura fue silenciada. Almudena Grandes también escribe sobre este tema en su novela “La madre de Frankenstein”.

Retomó la escena antes del asesinato y la discusión entre madre e hija donde ambas declaran su posición. Mientras Aurora rechaza el amor, “es una debilidad” , nos debilita y “revolución y amor son incompatibles”, “eres mía”. Hildegart pone sobre la mesa su posición y dice “sin amor, no hay revolución”, “los hombres no son nuestros enemigos”,” niegas la humanidad, niegas a las mujeres, las odias, niegas que sintamos, no soy de nadie, a partir de hoy soy libre”. Y esa noche la mata.

Invitados a comentar, los tertulianos fueron diciendo:

Esta película trata de madre e hija. Parece que Aurora quería hacer de Hildegart la mujer que no pudo ser. Aurora proviene de un hogar solvente, autodidacta, enfrentada a la hermana, que tiene “la afrenta de la carne”, ha sido madre soltera.Históricamente no se ha estudiado mucho, hasta que mata a la hija no se detecta la locura. Aurora dice en un libro que la mató porque le iban a robar la mente incluso robar su cuerpo. Su comportamiento fue absolutamente funcional y de los libros que escribió existen dudas que fuera la hija la autora. La sociedad entonces, las mujeres no tenían derechos. Muy fuerte.

La familia era muy pudiente. La biblioteca del padre muy importante, allí Hildegart asistía a discusiones políticas del padre desde pequeña. Aportar algunos aspectos de la locura de Aurora... ya nos advirtió Lacan que el psicótico ama su delirio mas que a sí mismo y esa locura es un intento de rigor, una defensa que tiene su parte silenciosa: el proyecto de construir La mujer que cambiará el mundo y su parte ruidosa: el asesinato de su hija cuando ese proyecto peligra. La hija es su obra, cuando Hildegart se enamora y empieza a tener sus propias convicciones, todo se desmorona en la vida de Aurora. Importante destacar la escena donde la madre le señala a Hildegart como debe vivir: en el sexo Freud, en el corazón Nieztche y en la cabeza Marx. Los lugares en los que centrará Aurora los disparos para matarla. Sobre todo 2 en la cabeza. Vive estabilizada con esa misión y se desestabilizará con la rebeldía de la hija. También comentar que este hecho sucede en el nacimiento de la II República y la película muestra como era la sociedad entonces y que seguramente por esto, solo recibió un Goya por vestuario y no se nominó a Nawa Rimri por un trabajo estupendo.

La asistenta es la figura salvadora, de quien recibe algo de amor esta hija, cómplice y posibilitadora en su relación con el joven militante. Cuando la madre se entera, urde una trampa cruel para obligar a la asistenta a no rebelarse ante el despido, contrata a otra analfabeta, secuestra a la hija.. La prepara como la inteligencia artificial.

Con la película como telón de fondo decir que desde el psicoanálisis, la enfermedad mental no afecta la inteligencia, la enfermedad mental es anecdótica. La civilización conoce muchos paranoicos como Russeau que aportó El contrato social. Hoy tenemos varios paranoicos en el poder. No sucede solo en una sociedad de la época, hace poco una enfermera mató a pacientes y se la declaró inimputable, salió y volvió a matar. Althusser mató a su mujer. Se lo declara inocente y él escribió un libro declarándose su culpable. No sabemos nada de la infancia de Aurora. La película es una construcción, solo la hija, la mujer sabe. Se ve la ferocidad del Súper-yo de la madre, La mujer es un proyecto imposible.

En el juicio hubo dos psiquiatras, formados con Kraepelin, que la diagnostican como una paranoia con megalomanía, la fiscalía dice que no, que la mata por amor a su hija. Si es inocente, la liberarían, si la consideran culpable va a la cárcel, pero luego al manicomio. “Mi querida hija” es un libro donde Aurora testimonia que nunca se siente culpable. Retomando lo del “el amor te debilita”, ¿en el siglo XXI? como ahora, la mujer por amor puede entregar sus bienes, su cuerpo, su vida, una mujer no se piensa que esté loca si da la vida por sus hijos. El amor fortalece, hoy es el odio, para parece políticamente correcto el discurso. Hay que luchar por el amor. El amor según Lacan es central, cuando no hay amor estamos frente a la psicosis, no se puede pensar sin amor, la hija transformada me recordaba la inteligencia artificial, no hay amor, salvo en los jóvenes y en la asistenta. Si no hubiera matado a su hija, sería un ejemplo, un proyecto de mejora de la sociedad, incluso una profeta, si no fuera por el asesinato sería una mujer importante. Desde la educación, los hijos son proyectos de los padres y la mata, porque era suya, veo padres, incapaces de asumir que su hijo no responda al proyecto, esta es una muestra llevada al extremo. Contradicciones y paradojas de Hildegart, en contra del valor de la mujer. Obra de Unamuno, Amor y pedagogía, se ven en los deportistas de élite. Los genios deportivos que terminan destruidos, Almudena grandes tenía una hija falangista. Asociación con la educación cuánto equilibrio en la familias actuales que por un exceso de programación de las actividades de los hijos, ¿qué pasa con esas proyecciones del exceso de expectativas? Genera mucha patología. No está claro que si no lo hubiera matado, la hija tendría algo de salud mental.

Todo está marcado por el neoliberalismo, la cultura del yo, lo perfecto, la perfección en la vida, mucho es Súperyo, no quieren que los niños vivan frustraciones, todo perfecto. Al escuchar asocié con la frase de Lacan, “Solo el amor puede hacer condescender el goce al deseo” la exigencia de padres a hijos de perfección, solo por amor uno renuncia eso, parece que los niños carecen de deseo, la escuela como posibilidad de salir de la novela familiar. Son dos mujeres solas que no han ido a la escuela. Los picoanalistas deben esta a la altura de su época, ¡me alegro de las tertulias!, Freud habló de Eros y Thanatos, tan solo puede haber amor entre humanos, Tenemos un delirante elegido democráticamente que está jugando al Monopoly y la potencia de destrucción es más peligrosa que lo de Hildegart.

Me alegro que estemos aquí, en presencia, hablando. ¡¡Festejo las tertulias!!, son un vínculo amoroso. Hildegart triunfa, porque es un momento de apertura, la II República y una advertencia: no identificar a las dos actrices con los personajes reales de la historia. La desgracia que sufrieron, todo se ocultó por la dictadura.

Alguien trajo a colación los mitos de la antigüedad, Cronos devorando a sus hijos, Dios pidiéndole a Abraham sacrificar a su único hijo. Como algo no nuevo.

Con varias palabras pedidas pero con la hora cumplida se dio por terminada esta tertulia convocando a la siguiente el 21 de marzo de 2025. El lugar, Libertad 8, a quien agradecemos su acogida y la silenciosa atención durante el desarrollo.

Crónica 159ª
"JURADO Nº 2"

Director: Clint Eastwood

Por Marta Mora Coordinó esta tertulia nuestra colega Graciela Sobral, tomó este film como un homenaje a Clint Eastwood, 94 años, director de 40 películas, una vida dedicada al cine, que forman parte de la historia del cine y de nuestra vida:  Mistic River, Sin perdón, Gran Torino o Los puentes de Madison, entre otras. Dijo que es una película con un fondo moral y ético, que se podría orientar por algunos interrogantes fundamentales. ¿De qué culpa hablamos? El tema de la culpa se entrelaza con el de la justicia. ¿Justicia para quién? ¿Para la chica asesinada o para el hombre juzgado que se declara inocente? ¿Dónde situamos la ética y la moral? Al dar paso a la conversación, algunas intervenciones señalaron lo siguiente; Pone en cuestión a la justicia y al funcionamiento del jurado popular, el  plano de la estatua que la representa con lo simbólico de las balanzas, no se cumple en el jurado popular, todos los integrantes con prejuicios, influenciados por el Metoo, sin tener en cuenta criterios, están más interesados en su vida cotidiana que en el caso a juzgar. Alguien hizo una interpretación de la escena final, la fiscal tratará de llevar el caso de Justin a la justicia. Otra salió asustada viendo el funcionamiento del jurado popular, cada uno con  su motivación y no hay más que ver cómo funcionan las comunidades de vecinos. Pinceladas políticas muy profundas, el jurado popular con sus historias, no formado en lo jurídico. Profunda ética, todos tienen un pasado,  las pruebas de indicios de la violencia en la pareja del acusado (inocente) pesan. La fiscal tiene intereses propios como adalid de los derechos feministas y deseo de obtener un puesto político. Señala también los juicios mediáticos que presionan a quienes ejercen la justicia. La fiscal, hija de un prestigioso jurista al final asume su responsabilidad. Cuando tiene dudas sobre la inocencia, va a la cárcel para que el acusado responda mirándola a los ojos. Tres buscan la verdad, el policía jubilado, el verdadero culpable y la fiscal. Importante la conversación de Justin Kemp con la fiscal. Él le pide que no lo juzgue, no quiere dejar sola a su mujer, ya han perdido gemelos. No hay homicidio, él se baja y cree que ha atropellado un ciervo, se baja y lo busca pero no ve nada. Eastwood, toca muchos palos siendo un hombre de derechas, toca la izquierda... o lo democrático?. Punto anterior y posterior. Pone en tela juicio al  jurado popular, “el pueblo”,  el Estado inhibido y sus funcionarios judiciales, la policía con prejuicios que no investigó, si el culpable  tiene o no que dar la cara. El prejuicio que el  periodista y alcohólico en recuperación Justin Kemp tiene, “si fui yo me irá mal por mis antecedentes, me juzgarán”. Otra variable es el tiempo, la demora, si fuera más rápido, podría testificar la camarera y demostrar que la copa pedida esa noche no se la tomó.   Final abierto o no, si acaso cuando Eastwood cumpla 100 años hará el paso siguiente. Aquí ha cerrado apuntando a sentencias falsas, el error judicial está presente. Aquí no hay presunción de inocencia como en “Doce hombres sin piedad” o “Doce en el patíbulo”. Hay presión social muy denunciada, el jurado popular da el elemento democrático. La jueza mujer equilibra lo denunciado entre el linchamiento y el contrapeso de los técnicos. Marcus, negro, le cuenta a Justin que su hermano de 18 años fue asesinado por la banda a la que perteneció el acusado, la conversación en el lugar es definitiva. Justin quiere confesar y juicio pero su amigo, coordinador del grupo de recuperación de alcohólicos, y abogado le dice no, con su pasado tiene todas las papeletas de salir culpable. Le cambia la postura, la responsabilidad, si dice lo que ha pasado la culpa sobre el accidente disminuiría, la responsabilidad del sujeto lo primero. Mejor orientado habría dado la cara. Entre quienes buscan de la verdad faltó mencionar al abogado defensor. Eastwood toma el guion ofrecido por un debutante aunque con su prestigio podría haber elegido a otro con más garantías. En la democratización de la justicia podríamos mirar un poco a México que va a elegir por votación popular los jueces que integrarán las instituciones de la Justicia. También señalar que esta es una película de detalles. Me recordó el seminario “Los divinos detalles” de Jacques Alain Miller. Mi interés se posa siempre en lo que se muestra y no se explica, por ejemplo: como están en época de Halloween, ¿de qué están disfrazados Justin y su mujer? Mi nieta Eva me dijo, de Américan Gotic. Investigué y es una pintura de 1930 muy famosa, donde el pintor se autorretrata con su hermana frente a una casa en Iowa que le llamó la atención pues tenía una ventana con un arco gótico en el piso superior. Esa ventana tiene las cortinas corridas. Y el pintor aparece con una Horca, un instrumento de los agricultores. Una alusión al secreto y a la condena que está en juego y el saludo “truco o trato” que se pronuncia en ese contexto. Otro detalle a resaltar es la elección de una mujer de origen oriental, estudiante de medicina que cuestiona la autopsia y al forense, que ese día ha hecho cinco autopsias. Esta es una película de detalles. El guion apunta a la responsabilidad, ¿porque uno más que otro?. El testigo engañado va a por él, el abogado de oficio, el tutor/amigo, uno detrás de otro, recordar que las cárceles son privadas. Olga recomendó un texto de Anna Harent, “Responsabilidad y Juicio”  donde indica, “Si todos son culpables nadie es responsable”. Crítica a la sociedad americana o a toda la sociedad occidental.  “Para que el mal triunfe, solo se necesita que los hombres buenos no hagan nada” Edmund Burke. El tema es la responsabilidad, Marcus, el negro, tiene carga negativa, la sociedad democrática debería saber que somos responsables cuando no nos toca. Justin, vale para la vida de otros, somos responsables mientras que no nos tocan. Como “Doce en el patíbulo”, “Doce hombres sin piedad”, si hay duda hay que absolver. El  juicio oral en España está excluido para los delitos de orden sexual, Aquí hay testigos que no saben, no hay investigación, no se revisa el coche, la chica oriental indica que no hay forcejeo, el policía jubilado. Esto aquí sería atropello con fuga con omisión de auxilio. En el lugar aparece mil veces el cartel aviso de ciervo, el  testimonio de la camarera del bar, se pelearon pero era habitual y al día siguiente como si tal cosa. Una escena clave, la fiscal y Justin,  en un banco afuera cuando se dicta sentencia, es preciosa, los dos saben que el otro sabe. Él pide: no vayas a por mí pero ella dice ¿que pasa con la justicia? A veces la verdad no es justa. Al inicio la fiscal dice en un bar “la justicia es la verdad en acción”. ¿Tú crees? responde el defensor,  al final van a ser responsables. Otro mencionó soy policía y apuntó al “sesgo de confirmación”. Las pruebas son las que indican la confirmación, “Si se es un martillo, no se ven más que clavos”. Si el contexto parece culpable, hay que reflexionar, ir  y volver. Alguien señaló, si te psicoanalizas, ves más que clavos... Nos despedimos sin poder seguir dando la palabra, limitados por el tiempo pactado con Libertad 8, donde nos acogen cálidamente. ¡¡Gracias!! A la profesionalidad de quien atiende nuestras consumiciones silenciosamente, para no perturbar el desarrollo de nuestra tertulia. PRÓXIMOS ENCUENTROS: 21 FEBRERO  21 MARZO 9 MAYO

Crónica 158ª
"La habitación de al lado"

Director: Pedro Almodovar

Por Marta Mora   Coordinó esta tertulia nuestra colega Olga Montón quien nos recordó su texto de Presentación. Nos decía allí cosas que retomo: “...una película intimista donde el reencuentro de dos amigas, tras años de separación, nos permite reflexionar sobre la amistad y la muerte. Y es en la fuerza expresiva del silencio donde surgen más preguntas”. Mencionó  referencias al cine y literatura que dan alguna clave sobre el film. También habló sobre “el descubrimiento freudiano del inconsciente Y que la invención freudiana es un pensamiento de la diferencia en la existencia parlante, sexuada y mortal. Esta diferencia marca a fuego la estructura de la existencia. También que “hay una brecha real incurable y sin embargo constitutiva de la realidad.  Lacan supo captar que Freud, a partir de 1920 (en su texto “Más allá del principio del placer”), había logrado que un sujeto cambiara una existencia miserable por una infelicidad admisible. También nos dijo que: “el psicoanálisis promueve un modo diferente de habitar el desamparo, la soledad y la infelicidad de la condición humana”. Y dijo que”...jamás alcanzaremos un equilibrio que no solo es imposible por definición (el conflicto es ineliminable) sino que supondría la disolución de lo que hace de un sujeto algo irrepetible”. Invitándonos a leer el libro “Cuál es tu tormento” de Sigrid Núñez, inspiración del film, dio comienzo a la conversación. Alguien comento que lo que más le impresionó fue la belleza como tapando la tragedia, el horror, no le emocionó, no le tocó el cuerpo. A otra le pareció casi perfecta, bellísima pero se interrogaba por la falta de emoción. Muchos coincidieron aunque alguien señaló que la tragedia es inevitable pero hay modos de habitarla, ella agoniza en un mundo agonizante y que el estilo de Almodóvar es el exceso, en este caso, la belleza. Otra apuntó que Almodóvar es muy lacaniano sin saberlo, porque Lacan apunta a que la belleza es el último velo ante el horror, la belleza tiene relación con el deseo inhibiéndolo y que una escena sí le  tocó el cuerpo...la escena de la escalera, cuando Ingrid, advertida por Martha de que la clave del momento será cuando suba y vea la puerta cerrada...y un día eso sucede pero fue solo un susto, Martha, viva, con humor lo califica de “ensayo” para cuando llegue el día.  Otro señaló la posición de Martha, no está presionada por nadie. Ingrid es una amiga que acepta acompañarla y se encuentran como si no hubiera transcurrido el tiempo. Toma la decisión final sin implicar a la amiga, se viste como si fuera a una fiesta. Hubo quien vio en la belleza, una trampa de la ficción. Ninguna muerte real  es así y esa autonomía es falsa, como la pastilla, cada cual tenemos nuestra muerte. Un no fan almodovariano fue al estreno, le interesaba ver como trataba este tema delicado, solo había visto Pepi, Lucy y Bon... coincidió en la falta de emoción y le pareció que ignora la realidad de la amistad entre mujeres, se pasó la peli esperando algo... se decepcionó un poco. Alguien puso el acento más que en la muerte, sin transmitir emoción, tal vez porque lo más importante era la amistad más que la muerte. Esa amistad es muy potente, no se ven hace años y el acto es muy fuerte, Martha le deja su casa,  su hija. Alguien cuestionó como toca muchos temas fluidamente: el soldado traumatizado por la guerra padre de su hija, la tristeza de la hija, el sexo ante la muerte de los reporteros de guerra, el monitor del gimnasio que le dice: “no te puedo tocar por miedo a la denuncia”, y el enfrentamiento con el policía dogmático. Una tertuliana nos contó que mientras Almodóvar rodaba esta película, se tramitaba la ley de Eutanasia en España. Y es verdad que hay trabas aquí, y sí existe la pastilla. El que tiene dinero se va a Suiza y se queda dormido. Aunque este sea un suicidio, él muestra que otra muerte es posible, que se puede elegir. Alguien se explicó la falta de emoción en que no hay conflicto e indicó, aquí pesan las leyes de origen religioso, no aceptan que somos dueños de nuestros cuerpos hay que ir más allá de la eutanasia. No le aportó mucho. . A otra Almodóvar le gustó cuando era un “enfant terrible”, se ha quedado “enfant”. Trata el tema con superficialidad, es efectismo puro. Trata de un tema ético y él se queda en lo estético. Es una oportunidad perdida,  homenajea a Houston, James Joyce, la escena es maravillosa pero no la repitas tres veces!!. Otro, comentó que no le había dado tanto frío, más bien lo dejó calentito, es una peli política y ética, toma la palabra libertad con otro derrotero, otra muerte es posible. En vez de ir a paliativos, decide ir  hacía un suicidio electivo. Recordó a un amigo en el Hospital de Paliativos en Guadarrama, esas tres semanas fueron muy desagradables a diferencia del tiempo del final de Martha. Le pareció muy importante que Martha elija cómo quiere y por quien, ser acompañada. Es algo que tiene que ver con el deseo. Otro rebatió la idea de la falta de conflicto, lo hay. Martha quiere  compañía sin consecuencias para los que la acompañan, la que se va, se va tranquila y la otra se prepara para la solución. Agradeció que no la hiciera llorar y le ha aportado. No es fría, es serena, es barroca, cada fotografía es un cuadro, salió agradecida. Otro señaló que a Almodóvar no le pidamos más de lo que da, pero coincidió con la frialdad, los corresponsales de guerra tienen sexo para sentir la vida, ella ha hecho una elección, elige a su amiga, a su hija no. El problema fundamental es la Muerte y hay muchas cosas, no se puede pedir que sea un genio. Otra señaló, Martha puede elegir porque pertenece a una clase social que se lo permite, la elección no está al alcance de todos. Olga puso fin a este encuentro leyendo un texto de “Lo raro es vivir” de  Carmen Martín Gaite: “ A mí no me extraña. Es que todo es muy raro, en cuanto te fijas un poco. Lo raro es vivir. Que estemos aquí sentados, que hablemos y se nos oiga, poner una frase detrás de otra sin mirar ningún libro, que no nos duela nada, que lo que bebemos entre por el camino que es y sepa cuándo tiene que torcer, que nos alimente el aire y a otros ya no, que según el antojo de las vísceras nos den ganas de hacer una cosa o la contraria y que de esas ganas depende a lo mejor el destino, es mucho a la vez, tú, no se abarca, y lo más raro es que lo encontramos normal.” Se sentía la alegría por el reencuentro en un lugar mítico de la cultura en Madrid, Libertad 8, y nos despedimos hasta enero de 2025 deseando a todos...Felices Fiestas!!

Cronica 157ª

"Siempre nos quedará mañana"

Director: Paola Cortellesi

Mirta García Iglesias                             Es éste el primer largometraje de Paola Cortellesi, su debut como directora, ya que tiene un largo recorrido como actriz, cantante, imitadora, cómica, tanto en teatro, radio y televisión. Y co- guionista. C’ è ancora domani (yan cora domani) todavía hay un mañana. Se ha traducido como siempre nos quedará mañana.     Los premios David de Donatello le concedieron 6 premios: Mejor actriz, Paola Cortellesi, mejor actriz secundaria, Emanuela Fanelli, mejor guión, mejor ópera prima, premio del público y premio David Giovani. Sabemos que en Italia la película fue acogida clamorosamente, ha recaudado más que La vida es bella de Roberto Benigni. En 2023, 120 mujeres fueron asesinadas por sus parejas. Más del doble que en España. que se contabilizaron 56. A pesar de ser la violencia de género un tema bastante trabajado en el cine, es interesante y arriesgado el tratamiento que hace la autora. Todas las escenas de violencia física son mostradas como coreografías, sin necesidad de visionar imágenes que pueden resultar muy desagradables. Película costumbrista, ambientada en Roma en la posguerra, filmada en blanco y negro, evoca el tono popular del neorrealismo y las viejas comedias italianas; con sus mercados bulliciosos, las peleas de vecindad, míseros escenarios de posguerra. La pobreza es un bien común de la mayoría de los habitantes donde transcurre la película. Trabajos mal pagados, cartilla de racionamiento, es necesario medir cada peso para poder vivir.   Nos va mostrando el filme cómo transcurre un día en la vida de Delia, nuestra protagonista. Además de ocuparse de sus quehaceres domésticos, da inyecciones a domicilio, zurce ropa, arregla paraguas. La vemos correr de un lado para otro, sin descanso. En el sitio donde arregla paraguas han tomado un aprendiz, y es ella la encargada de enseñarle la tarea. Así descubre que ese joven inexperto cobra más que ella, que lleva ya varios años trabajando en ese lugar. Ante su pregunta de a qué se debe, sencillamente su jefe le contesta que es así, porque él es un hombre. En ese orden vemos que a pesar del paso del tiempo, sigue siendo esto muy actual. Comprobamos que desempeñando las mismas tareas al día de hoy, los hombres son mejor remunerados en muchas ocasiones. Ella soporta, acepta. Las palizas y golpes del marido forman parte de su cotidianeidad. Su marido no solo le pega, sino que la humilla, la menosprecia, le dice constantemente que no sirve para nada. En presencia de sus tres hijos. Luego se disculpa. Siendo Marcella, su hija, la que no soporta más esta situación. Hay algunos enfrentamientos con su madre donde le dice que dónde está su dignidad, que cómo es posible que soporte esta situación, y le pregunta que por qué no se marcha. A dónde voy a ir? Su  hija también trabaja y tanto ella como su madre le entregan lo obtenido a Ivano., padre y marido. Su hija está comprometida y a punto de casarse con un pretendiente con muchos más recursos. Matrimonio conveniente para que la familia pueda tener un mejor bienestar. Delia no puede revelarse y romper esta denigrante relación, pero sí sabe lo que desea para su hija. Y descubre que su futuro yerno es también un maltratador. Es interesante ver que su hija la recrimina por aceptar esta vida que lleva y sin embargo por el amor que siente por este chico no es capaz de vislumbrar hacia donde se encamina. Vemos como el amor funciona como un velo. Y vemos cómo funciona la repetición. Ella sin saberlo, está haciendo una elección fatal, al igual que ha hecho su madre. En la elección de un partenaire se pondrá en juego las marcas del pasado de cada uno, las condiciones de deseo, amor y goce de cada cual. Repetición que también vemos en Ivano que al igual que su padre maltrataba a su madre, él repite el modelo. Hay complicidad entre madre e hija.   Dos acontecimientos importantes que ocurrieron en el siglo pasado van en la línea de dar voz a las mujeres acorde a esa “habitación propia” de la que nos hablaba Virginia Wolf. Uno de ellos fue el hallazgo de la píldora anticonceptiva en los años 60. Por cierto aquí, se comercializó y se pudo acceder a ella recién en 1978. Casi 20 años después de su descubrimiento. Y el otro, la posibilidad del voto a las mujeres. En Europa, Finlandia, Noruega y Suecia fueron los países pioneros. Luego, Reino Unido en 1928. En España la ley se aprobó en 1931 y las mujeres accedieron al voto en 1933. Luego advendría un largo paréntesis que no solo no permitió el voto a las mujeres, sino también a los hombres. En Francia, en 1944. Italia, 1946, como nos revela el film. En América del Sur, es Uruguay el país precursor, en 1932 se aprueba la ley y se hace efectiva en 1938. En Argentina, se aprueba en 1947 y se efectiviza en 1951. Sigue Chile en 1952, siendo Paraguay uno de los últimos donde la mujer accede al voto, allá por 1961. No es un peliculón, en momentos cae en cierta cursilería, pero funciona. Nos ofrece un final que a más de uno nos debe haber sorprendido. Engaño que funciona bien, la mayoría de nosotros piensa que se marchará con ese amor de juventud, sin embargo ella decide hacer lo que desea y acude al llamado de las urnas. Ejerce la posibilidad de elegir. Mayo, 2024

Cronica 156ª

"La estrella Azul"

Directora: Javier Macipe
Por Marta Mora

Por Marta Mora   Coordinó este encuentro nuestra colega Graciela Sobral leyendo su texto de presentación donde habla de la emoción que la embargó al verla, el papel de la música central en el desarrollo de la narración. Dio algunos datos acerca del personaje central, así como las cosas del amor que suceden en Santiago del Estero, una provincia argentina cuna de Atahualpa Yupanqui folclorista reconocido internacionalmente, en busca de quien emprende el viaje Mauricio, miembro de un grupo de rock de la ciudad española Zaragoza. Invitó entonces a conversar. Alguien preguntó acerca de “la buena muerte”, que aparece en varias críticas y que la muerte del hermano le parece que le causa mucho impacto al protagonista. Otro refrenda esta cuestión, Mauricio estaba muy apegado a su hermano y el suicidio de ese hermano precipita su muerte por sobredosis, una semana después. Mauricio se fue buscando un sueño, el deseo de ir a buscar a Atahualpa Yupanqui le surge de la música que le gustaba a la madre, el viaje lo transformó pero al volver no lo logró. Escuchar a Atahualpa de muy joven le impactó, estaba muy enganchado y Argentina es una huida para encontrar una vida.  Al regresar a España fracasa en su intento de traer a aquí la chacarera. Su antigua novia lo rechaza, no cree que se haya desenganchado de la droga y  por eso le dice que no, Tiene éxito pero no el que quería. Otro indicó que el protagonista busca una autenticidad existencial, se va fuera de España como al comienzo se marcha del escenario porque nadie lo escucha. Vive lo artístico de una forma carnal, se lo dicen en el pueblo. Otro comentó que encuentra un símil con Santiago Auseron que se va a cuba aunque al volver se convierte en el rey del son. Otro relaciona la película de la tertulia anterior, Anatomía de una caída con la de hoy. En la escena del inicio de Anatomía hay mucha violencia en el volumen de la música. El director nos introduce así en la violencia de la caída, para después ir bajando de intensidad. Mientras en La estrella azul el inicio no es tan violento, a pesar del suceso en el escenario del cantante con el público, y el desarrollo es a veces hasta tierno, para llegar a un final trágico. Una muerte a plazos, como en “Leaving las Vegas”, del hermano alcoholizado, estragado por no poder tocar música clásica. Y una muerte en acto del protagonista que no puede soportarlo. Hubo una mención a que la violencia se puede dirigir hacia fuera, hacia lo social; o bien hacia adentro, hacia sí mismo. También indicó que cuidado con la erotización de la muerte, que la muerte es un instante y el resto es vida. Otro nos contó que la película le tocó muchas cosas, lo que a veces sucede en los grandes viajes a otra cultura, siempre ha habido buscarse a sí mismo, más que en su propia ciudad y eso la película lo muestra, había un deseo de encontrarse. Es una película de música, hay muchas. Uno no escucha la música, la música te escucha a ti y hay que estar disponible. Cuando buscas qué escuchar, buscas lo que tu alma te pide. Para Mauricio la experiencia es importante. Hay un símil entre un viaje y un psicoanálisis, ambos son una experiencia. Alguien señala la escena en la que se emocionó. Cuando en un video aparece Atahualpa y dice que “la música combate la tristura”, que no es la tristeza. Se señala que tristeza se dice tristura en gallego. Pero no es lo mismo, la tristura abraza el alma y la carne. Santiago del Estero es una de las provincias más pobres de Argentina, Atahualpa decía que allí “había mucha abundancia de escasez”. Mauricio no pudo esperar, en la espera está el deseo, hay muchas historias acerca de quienes en la espera, trabajan y no desisten, sostienen su deseo, Mauricio no pudo esperar. En una entrevista Javier Macipe, el director, cuenta que el deseo de la madre era hacer esta película para romper con los típicos biopic y mostrar otro encuadre, romper con la cuarta pared, que es lo que se intenta con la aparición de personajes en la escena final. Otro comentó que lo impresiona mucho la cuestión del aprendizaje de la chacarera...es un niño el que le enseña el ritmo con un tambor...lo pulsional. El arte debe ser carnal, y eso también se muestra en los avatares con el instrumento, le quitan SU guitarra, solo podrá tocarla cuando se despoje de la otra formación, la intelectual. La escena en la que le enseña el viejo a coger la guitarra, abrazándola. La escena inicial nos muestra que en Mauricio algo no va bien. En su estancia en Santiago del Estero él no está del todo, se reserva como para volver, se niega al amor. Cuando bailan ella le pregunta “¿me querés?”. Si, le dice él, y ella insiste: ¿y a tu novia? También! le dice él. Otra tertuliana dijo, La madre, Aznar Muller, era alemana, la película se iba a hacer con Saura pero parece que no se entendieron. Yo bailaba chacareras en las fiestas de fin de curso en Argentina, así la Estrella azul me llevó a la infancia. Los personajes del final me recordaron a Pirandello y “Seis personajes en busca de un autor”. Al final el equipo se mete en la actuación... El viaje es ir al encuentro de una voz propia, que nunca es del todo propia y  la encuentra allí. El mundo no propicia que ningún sujeto se pueda reconocer en su voz, es muy difícil una voz singular y mantenerla hoy. Graciela lee el poema La estrella azul, lo pueden encontrar en Internet si les interesa. El nombre del poema parece que viene de donde están los hijos que perdió. Ahí Saura parece que no escuchó ese deseo de resurrección. Tomando lo de voz propia, alguien afirmó esta  película la tiene. Quiere visitar el museo de Atahaulpa y no puede, está cerrado, parece que la vida auténtica no es cuestión de museo.   Agradecemos nuevamente la acogida ofrecida por el café María Pandora.

Crónica 155º
"Anatomía de una caída"

Directora: Justine Triet

por Mirta García Iglesias   En esta ocasión, la coordinación de la tertulia estuvo a cargo de  Marta Mora. Comenzó su alocución haciendo referencia a su escrito de presentación del filme; podéis acceder al mismo si os remitís a un correo enviado el 11 de Marzo. Marta añade que este filme que aparentemente no tiene una mirada psicoanalítica, sí, efectivamente la tiene. Son muchos los temas que abarca: la relación de pareja, la justicia, la relación madre-hijo, la muerte, la época, eso nos dará bastante juego. Asimismo hizo referencia a un crítico que argumenta -lo que los tertulianos hacemos cuando debatimos acerca de un film- que más que hablar de la película en cuestión, se trata de manifestar lo que cada cual ve. Película francesa del 2023, que en un principio no provocó gran entusiasmo, y sí fue tenida en cuenta al convertirse en la gran ganadora de los Premios César, a mejor película, mejor dirección y mejor guion original, escrito por Justine Triet y Arthur Harari, actor y guionista francés y pareja de la directora. Obtuvo también otros premios y se convirtió en la gran favorita para los premios Óscar. Su protagonista principal, Sandra Hüller forma parte del reparto de Zona de Interés,  ganadora de los Óscar 2024.  Aparentemente sería una película que versa sobre un juicio, pero las palabras de su directora, lo desmiente. Ella dice, “el juicio es un lugar donde se intenta atrapar la verdad y ésta siempre se escapa”. Nos resuenan las palabras de Lacan acerca de la verdad. Justine Triet explica que “el lenguaje se convierte en el lugar de reapropiación y descripción de nuestras vidas porque es un lugar donde intentamos entendernos”. Marta acota que el malestar es estructural. El juicio no es un juicio clásico con sus enfoques y encuadres. La directora con su planteamiento nos obliga a reflexionar todo el tiempo. Los espectadores nos convertimos en el jurado. Algunas de sus referencias son El resplandor de Stanley Kubrick, Anatomía de un asesinato, entre otras. En sus filmes encontramos casi siempre un protagonista animal. La presencia de un animal en el rodaje nos humaniza. En ésta en concreto, el perro es el contrapunto del niño, Daniel no ve, pero puede escuchar, el perro ve, pero no habla. La preocupación por el tema de la pareja es una constante en sus trabajos. Comenta que vivir en pareja es una especie de caos, todos están un poco perdidos, a veces luchan juntos contra algo y en ocasiones luchan uno contra otro. El discurso de agradecimiento ofrecido en Cannes tuvo un marcado acento político. Francia asistía a manifestaciones por las reformas de las pensiones, hecho silenciado en los medios. Justine Triet denunció que la mercantilización de la cultura del sistema neoliberal estaba poniendo en riesgo la excepción cultural francesa. Dedicó el premio a los jóvenes cineastas, a realizadores que no pueden filmar. Su discurso político y combativo fue muy criticado por la derecha francesa y el gobierno de Macron. Francia no la selecciona como mejor película extranjera para que la represente en los premios Óscar; el motivo es que la principal protagonista del filme no habla francés. Justine Triet es la tercera mujer en setenta y seis años que gana una palma de Oro en Cannes. Señala Marta que la verdad en el relato de la muerte no tiene lugar. Un crítico dice que la película lleva a cabo una exhaustiva geografía de nuestra contemporaneidad, tiempo donde la subjetividad del relato es más valiosa que la objetividad de los hechos. Comienzan a opinar los tertulianos. Existen controversias referentes a cómo comienza la película. Unos opinan que es la imagen de un hombre caído en la nieve, rodeado por una nieve ensangrentada;  otros recuerdan haber visto una  pelota cayendo por la escalera y a continuación dos mujeres conversando con una música atronadora de fondo. Inmediatamente surge la pregunta acerca de si ha sido un suicidio o un homicidio. En las críticas no hay mención al suicidio. El suicidio es un tema del que no se habla. Hasta hace 100 años era un pecado, era perseguido por la ley. El suicidio es uno por uno. Hay un millón de suicidios en el planeta al año. Cifra importante según la OMS, en España hay un promedio de 15 diarios, más que los accidentes de tráfico, incluso se piensa que muchos de ellos son suicidios. Se recomienda la lectura de La mirada del suicida de Juan Carlos Pérez Giménez. Los supervivientes normalmente no hablan del tema. Ocasiona un gran dolor, trauma, culpabilidad. Esta película va de esto. Es un buen reflejo de la sociedad actual. La responsabilidad del suicida es muy grande, cuando uno se suicida de esta manera como la que nos muestra el filme, provoca un gran dolor a sus semejantes, aunque sea inconsciente de lo que producirá. Del inconsciente también hay que hacerse cargo. En cuanto al personaje de ella, se dice que es una mujer fría, egocéntrica, que machaca y trata de forma despectiva a su marido. Algunos la ven como una mujer fuerte. Tal vez fue un asesinato involuntario, pero ella sí tiene culpa y el testimonio del niño es el que la salva. Hay tres partes importantes en la película: la relación de pareja, el juicio y el niño. En referencia a la relación de pareja, se plantea que el filme es una disección perfecta de la pareja. Lo que centra la película es la relación de pareja, la cuestión del suicidio o del asesinato son elementos retóricos para intensificar este drama. La directora comenta que las parejas comienzan siendo una democracia y que muchas veces acaban siendo una dictadura. Se hace mención a la escena de la discusión entre ellos y el malentendido. Siempre es el malentendido de la palabra donde cada uno interpreta  lo que el otro ha dicho. Ni uno mismo dice con certeza lo que quiere decir. Y surge lo que usualmente suele ocurrir en las discusiones, tú me has dicho; no, yo te dije, etc, discusión totalmente en espejo que no lleva a ningún sitio, anclada en un bucle, puro narcisismo. Y efectivamente en un momento de furia o exaltación se pueden llegar a decir cosas que uno no piensa o no quiere, a veces aparece lo peor de uno. Y en realidad si de algo somos responsables es de lo que decimos y de lo que hacemos. En alusión al título Anatomía de una caída, en efecto ha habido una caída y esa caída provocó una muerte. La directora comenta en una entrevista que la caída de un cuerpo es una metáfora de cómo se va desmoronando una relación. Es la caída de una relación de pareja. En cuanto al juicio, el mismo es una búsqueda de la verdad y en esa búsqueda retrata a la sociedad, no solo a la pareja, sino a la justicia y al niño. Trata de establecer la verdad , pero no deja de ser una ficción. Hay una escena con el abogado donde ella dice: voy a decir la verdad, no, eso no lo vas a decir porque no te van a creer. Lacan dice que la verdad tiene estructura de ficción,  no es que sea mentira, sino ficción, la ficción que cada uno se construye.  Existe una Imposibilidad de saber la verdad, no hay una verdad que se pueda decir toda, lo interesante de este filme es que muestra la imposibilidad de los seres humanos de sostenerse en una verdad.  Hay una canción de Eduardo Aute donde dice que la verdad no es lo evidente sino su mitad. En ese tratar de acercarnos a la verdad vamos aprendiendo, la verdad es al final como un Dios que nos da seguridad. Hay un dicho que dice “de lo que oigas nada y de lo que veas la mitad”. Incluso es imposible que cada uno afronte su propia verdad, pero no solo la verdad, sino qué es lo que mantiene a una pareja unida, a veces pegada, a veces unida en la pelea solamente. Hay un concepto que manejamos los psicoanalistas que es el goce. Y es una satisfacción contraria  al propio bienestar. Porque esta mujer decide ir, se une a los caprichos de él, a lo mejor es el niño el que no puede decidir si quiere vivir en esas condiciones, pero los dos deciden  su vida en común. Cada cual sabrá o no, porqué lo hace. El goce es la mierda en la que uno se revuelca, pero no sale porque está calentita. Eso nos pasa a todos, afrontar la verdad del propio goce y poder hacer otra cosa o detenerse frente a eso cuando es demasiado lesivo. La verdad jurídica es otra cosa. El fallo judicial se llama fallo. El juicio es una auténtica chapuza, no hay pruebas, solo argumentos sobre  especulaciones, se acredita sobre la sexualidad de ella, se citan sus escritos. ¿Cuántas parejas discuten, cuántas se agreden continuamente? Y luego no hay un asesinato.  Las pruebas periciales son determinantes y nosotros como jurado si no contamos con pruebas fehacientes no podemos decidir que esta señora es culpable. No hay una sola prueba que justifique que ella lo mató. La actitud del fiscal muestra una importante misoginia. Da miedo, utilizar a un niño de once años es una auténtica barbaridad. Película de la modernidad, hay al menos dos más que se apuntan en la búsqueda de la verdad, Monstruos y Sala de profesores. Se cita constantemente al psiquiatra que defiende que su paciente no se ha suicidado. El profesional no supo que el paciente se haya querido suicidar. No siempre los pacientes cuentan sus intenciones. En algunos casos puede haber indicios, dependerá de la estructura, si es un melancólico o un depresivo muy grave, esos casos pueden llevar al suicidio. En otros casos no se vislumbra y no siempre se puede prevenir. Lo que declara este profesional es relativo, él no estuvo advertido. En referencia al niño, podría haber sido él, el culpable. Podría tener celos. No es un drama que ocurre entre la mujer y el marido, también hay un niño.  El niño le muestra dudas a la trabajadora social y esta le dice que cuando se tienen dudas al final hay que posicionarse. Tú tienes que tomar una decisión. Cuando el hijo abraza a la madre se esperaba que dijese, “mamá te he salvado”. Quien salva a la madre es el perro. Pero la experiencia la hace el hijo cuando experimenta con el perro para comprobar un antiguo acontecimiento de un intento anterior de suicidio. En lo concerniente al accidente sufrido por el niño, ese hecho vivido por los personajes los ha marcado. El accidente del niño marca un antes y un después en la pareja y a partir de ahí, cambia la relación. Él elige enseñarle en la casa, esa es una decisión que él tomó. Hay mucha carga entre ellos, ocasionó una fractura. La pareja se fue descomponiendo. Es bastante difícil y no siempre se consigue mantener una relación de dos que sea sólida cuando ocurre un acontecimiento tan duro, tan traumático, tan desequilibrante. Acontecimientos de este tipo u otros provocan un gran agujero y la pregunta es cómo se llena ese agujero. Es difícil. Ese padre iba en el coche con el niño, el niño se queda casi ciego, ese es el drama de fondo para los dos. Ella lo acompaña a donde él quiere ir a  vivir. Aislados. Sin trato con nadie. Él se ha quedado imposibilitado, inhibido a causa de este episodio, no puede escribir, la culpa es atroz. Otro argumento a favor del suicidio. Si imaginamos que la historia fuese al revés, siendo él un escritor de éxito, ella frustrada y ocupándose solo de los quehaceres domésticos, no tendríamos duda de que ella se hubiese finalmente suicidado. Marta dio cierre a la tertulia con las palabras de un crítico, Daniel Grandes que dice que a la directora “no le interesa averiguar si la imagen es capaz de reconstruir la verdad, sino defender que la verdad sólo es útil para construir una imagen beneficiosa para uno mismo. Y el potencial social reside en la facilidad con que la cineasta recupera la fascinación por la narrativa. Es una película que tiene muchísimo diálogo en un momento en el que creemos haberlo visto, leído y consumido todo”. Agradecemos nuevamente la acogida ofrecida por el café María Pandora.

Tertulia El Séptimo

Crónica 154º
"Pobres criaturas"

Director: Yorgos Lanthinos

Crónica nº 154 “Pobres criaturas” Director: Yorgos Lanthinos por Marta Mora Doldán Moreno   Dirigió esta tertulia nuestra colega Olga Montón comentando el texto que  redactó para la presentación, situando el contexto elegido para desarrollar la historia y señalando que parecería que Yorgos Lanthinos  no ignora “Las teorías sexuales infantiles” de S. Freud, (1908). Freud habla allí de las dos operaciones necesarias, en relación con el otro, para encontrar la respuesta que conviene a la pulsión. Sin haberse producido este recorrido cuando no hay saber subjetivo, la sexualidad con un partener causa estragos. A aquellos que hablaron tuvieron halagadoras palabras para esta película, que provocó en varios el desconcierto y rechazo inicial, y que terminaron enganchados. Alguien dijo que al principio estaba turulato, luego se entusiasmó, era surrealista, “me fui olvidando de que todo empieza con el cerebro en un cuerpo de mujer, y pensé en la visión de las niñas futuribles mujeres, hipersexualizadas”. No hay que olvidar que una niña es una niña.. La actuación de Emma Stone como Bella Baxter fascinó, impresiona ver a un bebé en un cuerpo de una bella mujer. En general fue muy bien valorada la actuación de los actores. Alguien señaló que el aspecto onírico ayuda a verla, es una metáfora del surgir de un ser en el mundo, que descubre el mal, lo sexual, el sufrimiento, lo que no es natural, lo que es humano. Un detalle interesante es que Bella no habla al principio, solo se mueve, como un bebé. Se habló mucho del ¿“padre”?, el Dr. Godwin Baxter el creador, el científico que experimenta con esa mujer embarazada que se suicida, a quien le implanta el cerebro del bebé. Padre, le llamaron algunos intervinientes, tal vez porque nombra a ese ser como Bella Baxter. Un padre que la tiene encerrada para protegerla, no le pone limite, ella vive por fuera de las normas y hace su aparición la sexualidad. Otros cuestionaron que fuera un padre y el aislamiento de Bella como protector, ella es el objeto de su experimento y la encierra para observarla.  Otro tertuliano dijo que el director ha de haber tenido algún asesor educativo, la salida de la casa es educativa, le muestra la pobreza, la está educando... Otro señaló el punto ético del médico, esta mujer se suicidó, podría haberla reanimado a ella pero dice “quien soy para eso” . Este punto ético fue puesto en cuestión, el niño vive y se lo implanta a ella, no tendría otro cerebro a mano! Además cuando ella se va, busca otra...para experimentar...le sale peor que Bella. Como el científico se llama Godwin Baxter, un tertuliano nos informó que Godwin era el nombre del padre de Mary Shelley, la autora de Frankestein y entonces surgió que Bella lo llama todo el tiempo: God... Dios. Algunos opinaron que Duncan, el abogado con el que emprende el viaje le enseña sobre la sexualidad, esto sí, esto no. La cuestión sexual nos llevó al cuerpo de Bella, ¿tiene un cuerpo? Es otra mujer en el burdel quien ve y pregunta por la cicatriz en el cuerpo de Bella, allí empieza a tener un cuerpo, que cuerpo tenía si no se veía esa cicatriz? Esa cicatriz lleva a Bella a interrogarse sobre su pasado, ¿quién es? ¿Quién era?. Lo de la cicatriz en el abdomen le recordó a alguien el Estadio del Espejo, la cicatriz se la ve otra  y se la señala, la que le habla del socialismo. Alguien preguntó ¿Porque los personajes femeninos son estupendos y los masculinos nefastos? Vio en esto una crítica sutil del machismo pero otro opinó que no todos los hombres son nefastos, el estudiante está en una posición femenina, acepta que conozca el mundo, no la limita y no le reprocha. Alguien comentó que Bella es al inicio un objeto, por amor se humaniza. No se nace humano, lo de criatura del título es así, es caprichosa, es un bebé, es perversa como una niña, es una perversa polimorfa, como nombró Freud a los niños. Otro dijo que cuando ve la pobreza, la diferencia de cómo vive ella y el resto,  descubre la compasión, algo de esos otros le toca, se humaniza. También se comentó que en Inglaterra la escena donde un padre lleva a sus hijos al prostíbulo para que aprendan sexo, viendo como él mismo lo practica, se había suprimido. Allí está prohibido por ley, no se puede incitar a los niños. Con lo oído surgen miles de metáforas, el que llamamos “padre” es un algoritmo, un hecho por los hombres para que hagan algo, que será de la humanidad cuando los algoritmos se reproduzcan solos!!...se cuestionó. Lo más grave se señaló como la ruptura de la infancia, el periodo de latencia es muy importante para incorporar el saber y hoy está invisibilizado, ausente o trastocado en esta época. Terminamos con una pregunta formulada por la sala: ¿cómo es que una sociedad tan pacata como la estadounidense haya nominado a “Pobres criaturas” con 11 Oscar? Y un agradecimiento especial al acogedor Café María Pandora. Hasta la próxima!

Tertulia El Séptimo

Crónica 153ª

Película: "The Lost King"
Director: Stephean Friars

Por Marta Mora

Nuestra colega Graciela Sobral coordinó esta tertulia contextualizando la historia de donde parte la creación de este director: “Ricardo III fue el último rey inglés que murió en un combate. Fue en la batalla de Boswohrt en 1485 ante las tropas de Enrique Tudor, que luego ocuparía el trono con el nombre de Enrique VII. Tras la batalla, el cadáver de Ricardo fue llevado a Leicester y enterrado sin ninguna celebración. Su monumento fúnebre parece que fue desmontado durante la Reforma Anglicana y sus restos permanecieron perdidos, en paradero desconocido durante cinco siglos”. Y que en 2012 la reina y condecoró a Philippa Langley con la Orden del Imperio Británico por su investigación. Con algunos comentarios más, nos invitó a participar.
Lo primero que alguien señaló fue que cinco siglos no son ninguna tontería, Frears nos habla del poder político, muestra explícitamente que la historia la escriben los vencedores y del poder machista, son los hombres los que se apropian descaradamente del trabajo de la protagonista durante 500 años.
Otro apuntó al momento en que Philippa, (Sally Hawkins), desvalorizada en su trabajo, se identifica con el personaje de Ricardo III y emprende la reivindicación de este rey.
Se señaló rápidamente la sorpresa ante la curación de la fatiga crónica que la aquejaba. Esto trajo el hilo, como dicen ahora, sobre este fenómeno que constatamos en las consultas, esto pasa. Lo más destacable es como el despertar del deseo vivifica y que el punto de partida, su insatisfacción con su vida, se modifica pues encuentra como sostenerse mejor en su vida.
Se mencionó a los hombres de la película, el marido del que se está separando y tiene otra mujer, le da un lugar y la apoya en su búsqueda, el profesor despedido es reincorporado a la universidad para para que esta pueda apropiarse del descubrimiento. Phillipa es solo la empleada de un centro de atención al cliente. El contexto es machista y no hace tanto, aunque hay hombres que la apoyan, el profesor y el presidente de los Ricardianos. El profesor que la traiciona, dice al de la Universidad, “déjame al menos que tenga sentimiento de culpa”, algo es algo. Es este hombre el que le abre a ella la posibilidad de ir a los colegios. Sin olvidar al fantasma del rey que la acompaña.
Hasta hoy la familia de los York, de la dinastía Plantagenet, está fuera del linaje real.
También se comentó como esta mujer con un aspecto frágil tiene una gran fortaleza para sostener su objetivo. Ella además de reivindicar la verdad de la historia, la cambia, revela la tergiversación de los que tienen el poder, ante el pálpito que la habita, la burocracia la desprecia porque no se basa en cálculos.
Hubo quien agradeció que se haya seleccionado esta película, veníamos de dos muy duras y esta es una delicia de ver, gustó mucho y se la disfruto mucho también. La definieron como un cuento bien construido, incluyendo los malos.
Se acordó con el papel de la mujer en la historia, la manipulación de los medios entonces, lo que pasa siempre en la historia, Fuente Ovejuna es un trabajo de Felipe II y como simbólico es un genio. Cuidado con los mitos, cuando ella duda, el rey desaparece. Nunca le da una respuesta. El rey es lo que ha utilizado el director para contar la historia de ella. La historia es real, Philippa Langley, es un a investigadora amateur.
Lo más importante a señalar, el valor de un deseo, como puede transformar dándole a ella en una misión en la vida y pone en funcionamiento su pesquisa, busca fondos, esa R que significa? Para ella Rey y para el del aparcamiento: Reservado.
Importante, quien ha sido el que ha contado la historia, como nos llega la historia? La historia la cuentan los ganadores, eso siempre es así. Y los Tudor reinan hasta hoy, lo recuperan pero...ellos reinan hasta hoy. Es importante que los padres cuenten la historia a sus hijos. Hoy se palpa que falta esa transmisión generacional gracias al impulso del discurso que intenta borrar el pasado.
A alguien le recordó “Historia de un Jabalí”, magnifica obra de teatro, toma como base el Ricardo III de Shakespeare, e hizo un comentario, lo pueden leer en nuestra revista digital, La Brujula. Un actor infatuado, con mucha maldad y soberbia, como dibuja Shakespeare a este rey perdido en la historia, que al final destruye la posibilidad de ser Ricardo III en la obra de teatro. “Jabalí” le llamaban a Ricardo III, para el imaginario colectivo, sobrenombre al servicio del descrédito de este rey.
Otro apuntó a que no hay que dejar que nos cuenten la historia, tenemos la experiencia de la película “Los 300” sobre los persas...porque la historia es lo que nos pasa a cada uno, los padres deben contar su historia a sus hijos. La transmisión es importante, es fundamental ante este discurso que pretende el olvido del pasado, que se olvide de donde venimos, que solo valga el presente, que perdamos la memoria.
Motivó muchos comentarios el personaje del fantasma que la ayuda, siempre en silencio, como un apoyo para su debilidad y para a salir de la su enfermedad. Un hombre al final diferente.
Otra escena mencionada fue la del profesor que la traiciona en el acto pomposo, donde la universidad se apropia de todos los méritos de ella y el contraste de ella en un aula contándole a los niños la historia, la transmisión a las nuevas generaciones!.
Hubo mención especial para los diálogos centrados en divinos detalles, como cuando ella pregunta: ¿tener la columna torcida es suficiente para ser inmoral? Y así muchos más.
Como siempre aprendimos algo más sobre Stephen Frears, nació en Leicester, de madre judía y padre abogado.
Y así nos despedimos hasta después del verano, agradeciendo la acogida de María Pandora y extrañando a nuestra colega Olga Montón, responsable de estas tertulias, a quien un percance le impidió, por primera vez, asistir.
¡¡¡¡¡Felices vacaciones y hasta la próxima!!!!!!

Tertulia El Séptimo

Crónica 152ª
Película: "20.000 especies de abejas"
Directora: Estíbaliz Urresola Solaguren

Por Concha Miguélez

Comenzó esta tertulia con unas palabras de bienvenida por parte de nuestra colega Olga Montón. Continuó Marta Mora, miembro de la Comisión, que abrió el espacio con su texto de presentación, preguntándose: ¿Realmente hay un tránsito de este niño a otra identidad sexual?, ¿Es suficiente que no le guste su nombre para etiquetarlo como un niño trans? Señaló la calidad y los premios recibidos por esta película y dio comienzo a la tertulia.

Un tertuliano opinó que era una Película intimista y minimalista, que muestra un choque emocional.
A lo largo de la tertulia se consideró muy interesante el tema, por su actualidad. Se valoró que la directora no tomara partido por una posición.
Se dijo que es una película de mujeres, que muestra muy bien la sociedad vasca y que da cuenta del matriarcado que funciona en gran parte de ella.
La película nos presenta a una familia en la que la madre está en crisis con su pareja. Tiene un hijo de 8 años, Aitor, que muestra un rechazo a su nombre y que tampoco acepta el nombre de Coco, que antes admitía.
Aitor está en un conflicto y a través de él la película pone sobre la mesa el debate sobre la sexualidad humana.
La prudencia de la directora es muy destacable. Al final de la película asistimos al nacimiento de Lucía, nombre tomado por él mismo y aceptado también por su familia.
Otro tertuliano expuso que ante este conflicto que vive el hijo, se muestran distintas posiciones en la familia. Están, los que miran para otro lado, como la abuela y el padre, que aparecen como negadores del conflicto. Y los que le escuchan, como la tía, que le ofrece un lugar, y el hermano mayor, que le muestra su amor y le acompaña cuando se hace pis en la cama.
A lo largo de la tertulia hubo muchas intervenciones, en relación al conflicto de Aitor con su cuerpo y su nombre.

Se apuntó, que daba la sensación de que la sala estaba interpretando al niño, como si estuviéramos buscando la causa de su malestar. Lo más destacable es que a Coco apenas lo hemos oído y que sabemos muy poco de este sujeto.
En relación al malestar es importante que los niños, y todas las personas, tengan un lugar para ser escuchados, un lugar de respeto a los procesos singulares, un lugar de protección para que su vida sea lo que tiene que ser, que no conviene precipitar.
En la película, la escena ante el espejo, vestido de niña para el bautizo, muestra muy bien la incomodidad de Aitor, da cuenta de que no es el momento para asumir la responsabilidad de su elección.
En otra intervención se apuntó que el malestar con el cuerpo es habitual, que está presente en todo ser vivo que habita el lenguaje. Es algo por lo que todos pasamos, la causa es ese goce, esa satisfacción a la que estamos empujados y para la cual no tenemos respuesta.
Los animales tienen instinto y sin embargo el ser humano está atravesado por el lenguaje. No hay 20000 especies, sino que hay tantos malestares como niños existen. El malestar es normal en el ser humano.
Se comentó, que la escena del bosque del final de la película, en la que el niño ha desaparecido, nos muestra a todos buscándolo. El padre solo desea que esté vivo y la madre nombrándolo como Lucia le da vida. Es un niño muy querido.
Es de valorar en esta película, que la directora no tome partido, que no dé respuestas y que deje muchas preguntas abiertas.
Como era de prever la tertulia estuvo muy animada y tomaron la palabra muchos tertulianos.
Muchas gracias a todos y en especial a María Pandora, fantástico lugar de encuentro.

Concha Miguélez

(Para ver de la temporada 13ª en adelante, buscar en el Ítem "Temporadas")

Tertulia El Séptimo
Crónica 151ª
"As bestas"
Director: Rodrigo Sorogoyen

Por Marta Mora

Tertulia del reencuentro después de la pandemia que vivimos con mucha alegría con muchos fieles tertulianos y nuevos participantes. Estrenábamos también nuevo sitio, el café Maria Pandora, situado en un lugar hermoso, Las Vistillas, con mucha tradición cultural y bonitas vistas.
Nuestra colega Olga Montón presentó “As bestas” con algunas palabras que rescato: :   “Volvimos donde estábamos, con una gran película muy premiada. Este director tiene en su haber 6 largometrajes. En mi opinión, es tan buena la película, que te sumerge en la escena como si fueras un participante más, un vecino del bar. Y todo muy cinematográficamente, en imágenes, con pocas palabras. Vives la angustia de los personajes en primera persona. Refleja la condición humana tan descarnada, la pulsión descrita por Freud en su peor cara...” explicándose así porque algunos no la han visto ni la verán porque “se les hace insoportable pensar esa violencia sin sentido, sin mediación, puro acto”. Recomendó un texto de Freud, “Mas allá del principio del placer”, donde desarrolla la pura pulsión de muerte y donde lograba cambiar “una existencia miserable por una infelicidad admisible” y terminó con una reflexión propia sobre la vida: “hay que saber parar”.
Se oyeron elogios hacia la película, la fotografía. el desempeño de los actores y el guion, y se rescató a Isabel Peña como coguionista. Se interpretó que se ponía en juego algo viril y la posición distinta en las mujeres y se formularon muchas preguntas: ¿Porque no renuncia Antoine si sabe que lo van a matar?, su mujer se lo dice en la encerrona en la carretera, ¡no te han matado porque estabas conmigo! ¿Hasta dónde sostener los principios? El conflicto trata de una cuestión de privilegio? Unos no pueden irse por falta de dinero y otro quiere quedarse porque lo tuvo para instalarse. Quienes son as bestas realmente? ¿El derecho de la tierra nos da derechos sobre otros?. ¿Como se puede hacer comunidad en estas condiciones? 
Alguien apuntó que la visión bucólica del campo se rompe con la vida durísima que muestra la película. La convocatoria de Antoine para dialogar evidencia la ingenuidad o la ignorancia de los hermanos Antoine, les dice, ¿tú crees que con ese dinero podrás comprar un taxi, trabajarlo juntos y comprarle una casa a tu madre? Ambos tienen razón pero los sueños de la razón producen monstruos... (título del cuadro de Goya)

Se comentó la perversión del capitalismo salvaje, el dinero mueve la trama, una empresa ausente ofrece un dinero irrisorio solo si todos venden. Y como hay 3 que dicen no... Las personas no tienen importancia, la empresa quiere todos los terrenos, una parte no les interesa. Como el capitalismo lleva a lo peor apoyándose en la condición humana sin importarle más que el beneficio, la empresa eólica es el actor invisible, ausente pero impulsor de la tragedia: lanzó una oferta que debe aceptarse por unanimidad y si no, ¡mataros!
Alguien vio que el film tendría dos partes, una, donde los hombres no ven más salida que la lucha...a muerte?. Otra, que muestra la lucha de las mujeres en una posición “no-toda”, algo más abierta. Olga, esposa de Antoine cuestiona esa lucha, le pregunta ¿seguir...a qué precio? Aunque al final ella incorpora la posición del marido, se queda para encontrar su cuerpo y quien lo mató, quiere justicia, dice. Y la hija que no entiende la terquedad de la madre.
Alguien opinó que en la relación madre/hija, se repite la situación con el marido, en la discusión entre ellas hay un imposible de entender.
Se definió como cómplice la actitud de la madre de los asesinos ante: “mis hijos no han sido”, lo que trajo la dificultad de aceptar la verdad de las madres en los colegios, que se parapetan en el “en casa no es así”, “mi hijo no ha sido”. Como la madre de los asesinos, se hacen cómplices del crimen. Hubo incomodidad ante el “nos quedamos solas y vecinas” de la viuda a la madre de los autores del crimen,
Otro se centró en la obstinación de los hermanos en vender y como dato, rescató lo que dice uno de ellos: fueron a la ciudad y las prostitutas no quisieron acostarse con ellos, porque olían a mierda. Es lícito que quieran abandonar esa vida tan dura.
Algunos vieron en el film una oda a la soberbia burguesa, el  “iluminado” elige el lugar, la “superioridad moral burguesa”.
Que busca Antoine con filmarlo todo? Mostrar que tiene razón y la verdad.
Pero no hay nada asegurado. Poner la cámara para grabar lo que pase, que puede ser su propia muerte, es a lo que lleva el extremismo de la verdad.

Se dijo el capitalismo no es empático, es el algoritmo del capital, es una cuestión humana con el dinero, una satisfacción contraria a nuestro bienestar. Te pone en situación sin salida, deja poca improvisación. Lo único imposible para el capitalismo, es lo que nos hace humanos. La película toca la bestialidad actual del capitalismo y la bestialidad que nos domina a todos, como en la primera escena, deslumbrante la bestialidad de los que tratan de domeñarlos y los domeñados!
Se señaló que aunque se habla del mundo rural y moral, en las ciudades pasa lo mismo, alguien recordó un hecho real reciente en una comunidad de vecinos: una vecina no paga la comunidad, otra va a reclamarle y termina matándola. No es el mundo rural el malo y el de ciudad el bueno, hay que reflexionar sobre la superioridad moral, la condición humana es así en todas partes.

Otro señaló el contraste de “As bestas” con “Alcarraz”, en “As bestas” le falta una explicación  de la tragedia del campo gallego, no se contextualiza esa realidad y la vemos, Antoine cree en el Estado y graba, un sinsentido, pero en la realidad  el Estado está ausente.

Siempre aprendemos algo...un tertuliano aportó datos sobre el caso real, base del guion: el asesinato lo comete el menor de los hermanos. As bestas se llama esa ceremonia para las yeguas, para los caballos tiene otro nombre y el objetivo es desparasitarlos. Y lo que menos esperábamos! ¡¡la cámara existió en el hecho real!!!.
Quiero cerrar esta crónica con una frase del texto de presentación de Olga que es de total actualidad: “el delirio es intrínseco a la razón, un delirio no es una proposición falsa, sino un estado determinado de la verdad que puede incluso ser compartido por millones de personas”.
 
Un gracias!! al “María Pandora”, por su cálida acogida.

La tertulia nº 150 fue suspendida a raiz de la pandemia del Covid en 2019.-

(Para ver de la temporada 13ª en adelante, buscar en el Ítem "Temporadas")

Tertulia El Séptimo

Crónica 149ª

"Vida oculta"

Director: Terrence Malik

Por Marta Mora

Esta tertulia fue especial, había fallecido Viti, Victoria Eugenia Alcázar, querida y fiel fan del cine y de nuestra tertulia desde el principio. Quisimos rendirle un homenaje con una rosa sobre la mesa donde se sentaba, transmitiéndole nuestro recuerdo y cariño. Olga habló de ella, de su discreción y terminó leyendo un texto de Carmen Martín Gaite:

“ “Lo raro es vivir”

“A mí no me extraña. Es que todo es muy raro, en cuanto te fijas un poco. Lo raro es vivir. Que estemos aquí sentados, que hablemos y se nos oiga, poner una frase detrás de otra sin mirar ningún libro, que no nos duela nada, que lo que bebemos entre por el camino que es y sepa cuándo tiene que torcer, que nos alimente el aire y a otros ya no, que según el antojo de las vísceras nos den ganas de hacer una cosa o la contraria y que de esas ganas dependa a lo mejor el destino, es mucho a la vez, tú, no se abarca, y lo más raro es que lo encontramos normal.”

Así, conmovidas, nuestra colega Graciela Sobral dio inicio a la tertulia.

Mencionó que es sobre todo una película ética, kantiana. Un hombre, muy religioso, abocado a una decisión que lo lleva al extremo de elegir su muerte. La narración transcurre en 1942, la guerra ha estallado en 1939. Los austríacos son pro alemanes pero él, no. Él no quiere ir a la guerra a pelear en nombre de Hitler, ese es el quid de la cuestión. “someterse a la autoridad”, ¿a qué autoridad? ¿A la autoridad de Dios, a la de Hitler, o de quién? También surge la cuestión de la verdad ¿Qué relación tiene él con la verdad? ¿Cuál es la verdad?

Y él acepta morir como una forma de ser fiel a sí mismo. ¿Por qué no acepta decir que sí e ir a trabajar a un hospital? Su decisión ética nos hace pensar en el término psicoanalítico de goce. No se lo ve sufriendo por su decisión, pareciera que “disfruta”, paradojalmente, manteniendo su “no”.

Esto nos plantea profundas cuestiones ético-morales, ¿qué haría uno en su lugar?

Tal vez su sacrificio valió para ayudar a restaurar el orden, la coherencia y la conciencia de una población devastada por la 2da guerra mundial. O, como todos le decían, no sirvió para nada. Esto es algo para debatir

Y con estas preguntas iniciamos la conversación.

A casi todos les llamo la atención el personaje. Aunque hubo judíos que se negaron a hacer una lista para las cámaras de gas y se suicidaron. ¿Lo hace para trascender en la vida? Su dios le exige mucho, arrastra a su familia. No es una hagiografía. Su mujer le ofrece escapar al bosque. Por aclarar, cuando decimos alemanes, nos referimos a los nazis...

Ante alguna queja por las tres horas del film, se dijo que lo bello lleva un tiempo transmitirlo al igual que el horror. Nosotros ya sabemos que pasó, él no sabemos que sabe, a través de la lentitud de lo que va pasando, nos llegó la otra cara que es el horror, el horror y el amor.

Se asoció el personaje a los mártires cristianos aunque se dijo también que los totalitarismos no tienen religión.

Se apuntó a la pulsión de muerte, tiene tres hijas y las deja acosadas por los vecinos en el pueblo.

Alguien se preguntó porque impresiona tanto que vaya a la muerte. Nosotros ya sabemos del holocausto pero no sabemos qué sabe él en ese momento. Fran ya se sentía un hombre muerto en vida. No se opone a la guerra se opone al nazismo, no quieres ser lo que Hitler quiere que firme. Firmar sería una traición a si mismo, no tenía salida.

Otra persona, no le parece un mártir, por la leyenda del final, lo tomó como un héroe, y se fue al Seminario VII, “La ética” de Lacan. La película tiene los ingredientes de la tragedia, lo bello de los paisajes le ofrece al héroe su escenario, donde se despliega su acto que lo producirá como desecho, mostrando el sacrificio, él parece un ser hecho para el amor. Morirá para sostener un ideal fuera de los limites morales, ideológicos, políticos hasta ese momento. No conoce ni temor ni compasión porque no intercambia con el otro nada, está entre la vida y la muerte, fuera de la culpa y la deuda. Lacan dirá que ahí el sujeto es idéntico a la pulsión de muerte, hace brillar en su propio cuerpo lo irrepresentable. Hay un deseo puro y en el deseo puro hay algo mortífero, pero también hay deseo decidido. Y lo que impresiona es que Lacan dice también que el héroe “tiene una relación verídica con lo real”. Mencionó también una frase de Jacques Alain Miller: “El fascismo después de la primera Guerra Mundial, promovió con fines abyectos el retorno de lo heróico” (Buenos días sabiduría. Colofón nº 14). y si hay que decidir, ella prefería la vida.

Otra trajo a Hannah Arendt y su texto “Eichmann en Jerusalén”, un estudio sobre la banalidad del mal, donde la filosofa alemana describe cómo Eichmann no era un sociópata ni un perturbado mental, sino que realizaba su trabajo “eficazmente”, cumpliendo ordenes superiores y con el deseo de aumentar su poder e influencia dentro del sistema nazi. Justamente igual que el protagonista, que no parece seguir su deseo sino que parece obedecer ordenes, pero en este caso del superyó, llevándolo a lo peor.

Se señaló la llegada del cartero como un elemento amenazante, el esfuerzo físico del trabajo, el contraste de los paisajes, como en Sonrisas y lagrimas, frente a una vida muy dura.

Muy interesante el uso de dos idiomas, el alemán sin traducción, Malick no quiso traducir para que como espectadores estemos allí, como Franz.

Alguien dijo que tenía sus propias contradicciones y seguía con las mismas dudas. Hubo muchos intentos de que cambiara su decisión: La madre cuando le dice “tú sabes mejor que nadie lo que es vivir sin padre”, el abogado le dice “firma y tendrás la libertad”. Tal vez la frase de la mujer “nos encontraremos en las montañas” indicara que ella ha perdido la fe. La conciencia nos hace cobardes, no lo entiende y apunta como explicación a la frase del padre: “es mejor sufrir una injusticia que cometerla”, se quedó con malestar pero a veces nos pasa, es “la insondables decisión del ser”, le generó dolor pero él decidió y lo respeta.

Crónica 148ª

"Parásitos"

Director: Bon Joon Ho

Pilar Berbén

Mirta García inicia este debate, indicándonos que  se trata de una buena película que no nos deja indiferentes,  nos hace pensar y reflexionar sobre diversos temas y gracias al humor podemos enfrentarnos con este real tan duro.

Ha obtenido varios premios importantes, como la Palma de Oro en Cannes, el Globo de Oro y es candidata para los Oscar.

La filmografía de  Bong Joon-ho, transita por diversos géneros, siendo lo social un tema que le interesa y está presente en sus películas. En una entrevista comenta cómo se le ocurrió este guión en el año 2013 mientras filmaba otra película, recuerda que cuando era joven había sido profesor de un niño rico. Aquella mansión, en la que se sentía un intruso, era impresionante, incluso tenía una sauna en el 2º piso y pensaba en  lo divertido que sería si sus amigos pudieran colarse con él en la casa. Pasaron 6 años para hacer efectiva esta idea.

La música y la fotografía son impecables y tiene un buen ritmo. En cuanto a la interpretación  es muy buena. Me gusto mucho -sigue Mirta- la utilización que hace de los espacios y los contrastes que establece. La familia pobre vive en un sótano, la rica en la colina, en espacios grandes y muy solitarios. Una escena muy impactante es la tormenta y lo que puede significar para unos y para otros. La lluvia devasta la vivienda de los pobres, mientras en la casa grande, es contemplada detrás del ventanal, con vistas a un maravilloso jardín.

Muestra dos mundos aislados y antagónicos: los ricos y los pobres, en una época donde el capitalismo acampa a sus anchas. Aunque transcurre en Corea del Sur, es extrapolable a cualquier tipo de sociedad. 

El término parásitos, continua Mirta, para mi tiene una doble acepción, podríamos pensar que los de arriba también son parásitos, ya que necesitan a los de abajo para el discurrir cotidiano de su vida.   

El olor a pobre es el detonante de la película y lo que desata la tragedia. El desprecio y la humillación por su condición de pobre, sumado a la situación trágica de su hija, hacen que el Sr. Kit pase al acto y ocurra el desenlace fatídico.

Encontramos a mucha gente desesperada en un mundo muy injusto, donde la  igualdad de oportunidades es la única garantía de un futuro social más equitativo. Zygmunt Bauman  señala con acierto: “La exclusión actual no se ve como resultado de una mala racha pasajera, sino más bien como un destino irrevocable. Es más, la exclusión suele ser un callejón sin salida”.

Efectivamente, en esta sociedad consumista, donde grandes segmentos de la población han perdido sus trabajos por diversos motivos, los pobres no son necesarios, porque no hacen engordar el sistema, ya que no gastan nada, estorban, pertenecen a la infraclase, término acuñado por Gunnar Myrdal en 1963. 

Por tanto, estamos atravesados por varios significantes: la inestabilidad, la imprevisibilidad y la incertidumbre están patentes en todos los órdenes de la vida: trabajo, amor, las relaciones que establecemos con los otros, etc, porque los ideales que imperan son el individualismo, la competencia, las relaciones utilitarias y poco comprometidas. Se trata de la época de la pulsión en su permanente y constante empuje a la satisfacción, cuyo objeto puede variar, pero no su fin que es siempre el de satisfacerse. Surge la pregunta qué ocurre con los sujetos en esta época marcada por un capitalismo atroz  en su vertiente neoliberal.

La consecuencia de este panorama socio-económico, es que el sujeto desaparece y en su lugar aparece el individuo consumidor, usuario, productor que con su yo inflado y sus objetos no precisa de los otros para satisfacerse. La competencia a ultranza  ha barrido la solidaridad.   

Todo esto tiene efectos en la clínica, percibiendo que los sujetos tienen dificultades para subjetivar lo que les pasa. Tienen dolores en el cuerpo, síntomas variados y dolor psíquico del que poco pueden dar cuenta.

Las patologías del acto son otra forma de sufrimiento de la época. La violencia, las adicciones en sus diferentes  formas o los problemas con la alimentación, son actos compulsivos que empuja al sujeto a satisfacerse y a la acción, más allá de ser acciones dañinas.

Con este panorama y tanta proliferación de objetos, es indudable que el deseo está amenazado, necesitamos un pequeño vacio, algo tiene que faltar, para que el deseo pueda emerger. Encontramos sujetos desganados, sin ánimo para seguir luchando y con bastante dificultad para conectar su malestar con este aislamiento. Es una época donde cada vez más cae o se deteriora el mundo simbólico y la imagen prevalece por encima de todo, en sus distintas variantes.

Para finalizar la intervención, Mirta reflexiona sobre la forma de actuar que está familia tiene con sus iguales de clase, donde el remordimiento y la culpa, apenas están presentes, sólo se atisba algo en el padre cuando recuerda al chofer, preguntándose qué habrá sido de él. La hija cierra el tema y contesta: “De lo único que tenemos que ocuparnos es de nosotros”.

Comienza el debate en la sala.

Para la mayoría es una espléndida película, quizás la mejor del año 2019, que atrapa, siendo un acierto la elección. Con una puesta en escena apasionante y arriesgada,  a la vez suscita la idea de fluidez narrativa que no es habitual en el cine oriental. A pesar de los giros de guión que nunca sabes por dónde va a salir, no hay ningún tipo de fisura en todo el argumento, su lógica responde a una temática interior que se va desarrollando y está perfectamente estructurada. Sin brusquedad pasa de la comedia y la picaresca al thriller, donde se descubre el búnker, siendo la casa un protagonista más de la película.

Hiriente y conmovedora, es una sátira sobre el mundo contemporáneo, con mínimas pegas, por lo que fácilmente se pueden perdonar sus excesos, a punto de escapársele al director en el tramo final.

El  humor no tiene como función aliviar la realidad, sino más bien es la puerta de entrada para llegar a entender lo que realmente quiere transmitir el director. Porque así de negra y compleja es la realidad. Refleja las aristas más variopintas que hay en todos los colectivos y se sitúa en el filo imposible donde se colocan los genios.

Las estadísticas nos indican que una mínima parte de la población detenta toda la riqueza del mundo y sorprende lo presente que está el sistema neocapitalista y sus mecanismos de dominación en la película. Hay tanta gente con mucho talento y absolutamente desaprovechada, al no poder demostrar sus habilidades por falta de oportunidades. El director da mucha importancia a la desigualdad social, y nos lo muestra continuamente, por ejemplo, a través de sus viviendas y el lugar que ocupan en la ciudad (arriba y abajo).

Por otra parte, cada familia está compuesta por cuatro miembros, pero son muy diferentes. Los Park son amables y muy ingenuos, meten en la casa a personas de las que no saben nada, otorgándoles todo tipo de confianza, aunque también son clasistas y tienen una gran soledad, ellos están aislados, viven en su burbuja, mientras que los Ki-taek son más ladinos o taimados, también más solidarios entre ellos, se apoyan y van construyendo su picaresca.

Sobre esta familia hay opiniones muy diferentes: son ambiciosos,  no aprovechan la oportunidad  y no tienen suficiente. La pobreza no justifica la desidia y dejadez en la que viven. Echan al chofer y cuando el ama de llaves anterior les pide ayuda para su marido, se pelean con ella hasta que la matan, son crueles. Ellos están unidos como una piña, pero no tienen ninguna relación con sus vecinos. Por otra parte, esta familia despierta cierta simpatía, son creativos y proactivos. No son perversos, ni malvados. La crueldad es con la que el propio sistema los trata. Son supervivientes y sobre la marcha van improvisando. (El hijo pregunta: ¿Tienes un plan? Contestación: El mejor plan es no tener plan).   

Se reflexiona sobre los temas siguientes:

El olor, asimilado a lo subterráneo, se visten normal, pero su espacio vital es lo que les marca y huelen así, aunque se laven (dice el niño: todos huelen igual) Es esa pregnancia de “eres pobre, aunque te laves”. En contraste con el espacio y la pulcritud de la casa grande. Es una sutileza más de Bong Joon-ho, aquí está muy presente y le da mucha importancia. Puede fomentar rechazo y prejuicios.

La educación que debería ser bidireccional, es decir, no sólo que las personas con menos recurso puedan acceder a una educación plural, sino que también los otros no se queden sólo con la ideología de sus padres, que vean la diversidad para sacarlos de los guetos en los que viven. En la película aparece la dicotomía absoluta del niño rico abandonado dentro de esa gran casa, él ha visto a un hombre subir por la escalara ¿Alguien se ha sentado a hablar con él? Nadie le escucha ni le  cree. Lo cierto es que todos están abandonados a la soledad y a su propio goce. No hay vínculo. La educación es primordial y tenemos que luchar no para que esté en la igualdad, sino en la equidad, que no es lo mismo.

Es un grave problema y da cuenta de lo que está sucediendo con los niños, más allá de su clase social. Muchos están abandonados a su suerte y con sus objetos. Los psicoanalistas lo vemos. La estructuración subjetiva siempre pasa por la relación con el otro que es el que te habla o te contesta. Es decir, el vínculo a través de la palabra hablada y escrita.

Solidaridad y amor. No hay dos familias, sino tres. Sorprende la aparición de la primera empleada doméstica. La conversación con el marido es una escena divertida. Si hay algún personaje al que adornar, es a esta mujer y a su marido, que rescatan la dignidad de la solidaridad porque lo que hacen es por un vínculo con el amor, ella quiere mantener vivo a su marido y él dice que al final de su vida querría disfrutar de su  amor, al morir ella, se siente sólo y encerrado en ese sitio.

Por otra parte, llama la atención en esta película, la falta de solidaridad del resto. Se deshacen de los que son tan pobres como ellos, pero que han conseguido un estatus y se los ventilan sin remordimiento. En cambio, el amigo le ofrece el trabajo de profesor. Se señala que la elección siempre es en singular.

Ante las dificultades y la desigualdad ¿los de abajo se van a unir o se van a matar entre ellos? Este es el gran dilema. Porque si se unen,  no van a permitir que estos parásitos (ese 10%)  siga chupando la sangre de todos los demás. No hay duda de lo que es un parásito, es un ser que vive a costa ajena. Hay mucho exceso tanto en una clase como en otra. Todos somos parásitos del sistema, aislados, atrapados para gozar y satisfacer el momento.  No somos robot, para gozar hace falta un cuerpo vivo.

Las tecnologías. Sorprende en muchas ocasiones,  como cuando en medio de tanta pobreza, la mayor preocupación es buscar la wifi del vecino para tener cobertura. Apreciándose un guiño a las tecnologías, continuamente se usa el teléfono móvil. A veces de una forma fraudulenta, para cambiar el currículum a través de internet, sin que nadie se dé cuenta.

Todos queremos gozar de lo mismo. Hay un gadgets que al parecer nos iguala. Los teléfonos móviles son los más vendidos en cualquier clase social, podrá diferir la calidad del móvil, pero es lo primero que se compra, incluso por delante de los productos de primera necesidad. Por otra parte sin wifi no hay posibilidad de nada, el wifi te da acceso a la información, todos anhelan la comunicación virtual, aunque sabemos que lo que tiene peso es la comunicación real.

Sociopolítica. No lo conozco con precisión, pero tengo la idea de que la sociedad de Corea de Sur es bastante más parecida a la sociedad occidental que otras asiáticas, quizás por la influencia de EE.UU. No es sólo una película hecha para que la entendamos en occidente, más bien nos muestra cómo es la sociedad Coreana, Hay varias  cuestiones metafóricas, una es la tormenta, con una secuencia que nos hace pensar lo tremendo que es una inundación. Cómo el gran problema climático que tenemos en la tierra, va a empezar matando a la mitad de la población mundial del sur, empezando por África y otros lugares y es tremendo cómo el cambio climático no afectará de la misma manera a unos que a otros.

Se han quedado tan capturados subjetivamente con el discurso del neoliberalismo que a lo único que aspiran es a ser como los ricos. Es decir, la única salida es pasarlo bien en aquel salón emborrachándose. Es la gran admiración por la cosa, por el objeto.

Por otra parte, estas personas no representa a una clase media, más bien una clase media pauperizada. Los hijos habían hecho el ingreso en la universidad. En nuestra sociedad actual el acceso a la educación universitaria o a la titulación no garantiza nada. Hay muchos universitarios que no tienen trabajos o tienen trabajos que los condenan a una vida de miseria.

Es una sociedad sin recursos propios y están mentalizados que sólo dependen de ellos. La educación surcoreana es extremadamente competitiva. Había muchos suicidios entre los adolescentes, porque su currículum académico es muy exigente.

Al final se vislumbra cierta esperanza y la única salida que muestra es por amor, al fin y al cabo la película termina con un sueño de ascenso social que es dar vuelta a la tortilla, es decir, no cambiar nada, sino ocupar el lugar del otro. El joven escribe la carta, va a ganar dinero, va  a comprar la casa, (aunque luego nos dice que eso no ha pasado) lo quiere por amor, para poder encontrar a su padre que él supone encerrado allí y que no quiere acceder al padre de una manera violenta. Ni matando a nadie en la casa. Hay un cierto descontrol en las acciones y cada uno vuelve a ocupar sus lugares, dejándonos un final abierto.

Como no es posible extenderse más y por si alguien está interesado,  se han hecho varias recomendaciones que señalamos sin profundizar en el contexto:

-      Película del mismo director: Mother.

-      Película: “Viridiana”. Luis Buñuel.

-      Película: “La Trichera infinita”. Jon Garaño, Aito Arregui y José Mari Goenaga.

-      Libro: “Los Topos” 1977, de Jesús Torbado y Manuel Leguineche.

-      Libro y película “Los Santos Inocentes” Miguel Delibes y Mario Camus.

-      Poema “El niño yuntero” de Miguel Hernández.

-      Exposición los dibujos de Goya. Museo del Prado.

Ha sido una tertulia con una gran asistencia y abundante e intensa  participación, por lo que damos las gracias a todos, así como al Café Libertad por sus atenciones.

Nos vemos el próximo día 21 de febrero de 2.020

Tertulia El Séptimo

Crónica 147ª

"Joker"

Director: Todd Phillips

Pilar Berbén

Marta Mora inicia el debate con dos frases, para mostrarnos el marco en el que se desarrolla la película que es el funcionamiento del neoliberalismo y sus efectos. La primera de Margaret Tatcher: “La economía es el método, la finalidad es cambiar el corazón y el alma”. La otra es del libro de Jorge Alemán: “Capitalismo. Crimen perfecto o emancipación” (Pag. 51): “Lo específico y determinante del neoliberalismo consiste en ser el primer régimen histórico que intenta, por todos los medios, alcanzar la fundamental y primera dominación simbólica, al alcanzar los cuerpos y capturarlos por la palabra en su dependencia estructural. Dicha dependencia constitutiva es la que opera como condición de posibilidad de los legados históricos y las herencias comunes, donde la memoria puede aún recoger el dolor de los excluidos en el pasado, y si bien de ningún modo es garantía de ello, sí su condición de posibilidad”.

“Quiero hacer hincapié en que somos seres de palabra y en el encuentro del cuerpo con la palabra, se producen marcas de goce que orientarán la vida. Esa es la primera dominación simbólica y estructural de la que habla Alemán”.

Marta sigue, leyendo una frase del diario de Arthur, que resume bien el discurso capitalista y la pulsión de muerte: “Espero que mi muerte genere más dinero que mi vida”.

Se abre el debate a la sala.

El cine no es sólo entretenimiento, en esta ocasión, nos sumerge en territorios desagradables. Incómoda, dura de ver, oscura, claustrofóbica, generadora de una gran angustia, son algunas de las expresiones de los participantes en esta tertulia. Se palpa la violencia que en cualquier momento puede estallar. Por otra parte, fue muy elocuente el largo silencio que precedió hasta que se pudieron decir estas palabras: “Así salimos todos de Joker… Mudos”. También se expresa que es tramposa porque parece que es imprescindible tener éxito y por el maniqueísmo que expresa entre el bien que siempre triunfa frente al mal, cuando, para otros, estos son los dos lados de una misma moneda, ya que tanto el bien como el mal están dentro de nosotros, pero no juntos, hay un mundo entre ellos, Una cosa es pensar algo y otra hacerlo, hay diferencias fundamentales.

Es Impresionante el trabajo de Joaquín Phoenix, empleó mucho tiempo para construir este personaje, el resultado es una interpretación magnífica y extraordinaria. Profunda y elocuente su mirada, sus pocas palabras llenas de verdad, y la risa incontrolada que expresa ira, dolor y llanto. Sin duda se merece un Oscar.

En cuanto a Joker, despierta compasión, no sabemos a dónde va, él tampoco. La frustración y la indefensión ante el sistema. La sociedad le empuja al agujero, las instituciones le abandonan, la gente le humilla y le desprecia, sólo quieren reírse de él. Se rebela, canalizando toda su furia interior contra el sistema y quiere imponer el orden y la justicia. Es la sociedad la que está enferma. Para quién no conocía la historia de Joker, albergaba la esperanza de que algo pudiera salvarlo de tanto sufrimiento y desolación.

La opresión del individuo a manos de un sistema alienante, atrapado en la cara más cínica del poder. ¿Qué vía de escape le ofrecen sino la locura? Su sufrimiento es tan estremecedor y palpable, que el espectador no tiene otra salida que culpabilizar a la sociedad. Una sociedad que discrimina más a quién menos tiene. En una ciudad, llena de grafiti, llena de basura. El presunto malo es el protagonista y quién debía ser el bueno es un sistema que oprime a los más débiles.

En esta sociedad individualista, Joker es un invisible como otros muchos, donde la violencia le permite ser visible. Es un gran peligro para él y para el resto de la sociedad. Da miedo la escena donde todos se vuelven Joker. Es decir, cuando la multitud se pone una máscara y ya deja de ser persona, convirtiéndose en una masa anónima que mata o hace lo que sea. Esto sí que encierra un gran peligro y da mucho miedo. Lo vemos a lo largo de la historia, causando grandes desastres, o guerras. Ya sabemos lo que pasa cuando el malestar de la sociedad es aupado por un loco y arrastra a todos a la violencia. Quedan en el aire algunas preguntas: Toda esta gente que le sigue ¿detrás de quién va? ¿A quién siguen? ¿Dónde está la causa?

Por otra parte, es una metáfora sobre la violencia que hay dentro de nosotros. La sociedad capitalista no tiene respuestas. Ni tenemos la mirada de los otros, ni tampoco los miramos. Hay mucha juventud que no encuentra sentido y se identifican defendiendo causas y justifican la utilización de la violencia por tener una misión.

Se mencionan varias escenas de la película como cuando en el autobús Arthur juega con un niño y la madre está incomodísima y se vuelve diciendo: “Deje de molestar a mi hijo!” él le muestra el papel donde tiene puesto cual es su problema con la risa, la madre le pide disculpas. Otra escena fundamental es cuando el presentador Murray Frankin (Robert de Nilo) le invita a su programa, tiene una gran satisfacción y se desinhibe, está muy contento, sabe que está en directo y es increíble la lucidez que tiene y el discurso que da, al final le pega dos tiros. Es una gran escena. Por último: Se le ve feliz en el hospital, actuando para los niños, de pronto se le cae la pistola, es dramática la escena. Dice por teléfono, por favor este trabajo a mí me gusta mucho… Ahí le destituyen como payaso y se queda sin sustento económico, sin asistencia médica y con un arma.

A propósito de las armas, se comenta la facilidad de conseguir armas en los EEUU, ya que la Segunda Enmienda de su Constitución protege el derecho de poseer y portar armas, siendo uno de los países con menos limitaciones para su adquisición. Si un enfermo mental se ve tentado de ejercer la justicia por todas aquellas crueldades que está sufriendo y puede conseguir un arma con facilidad, el resultado lo muestra la película. Como bien sabemos, la realidad es mucho más dura que la ficción, así continuamente vemos los efectos que esto causa, basta leer las noticias. Por otra parte, en las sociedades democráticas la justicia la delegamos en otros. Nosotros no podemos ejecutar la justicia cuando nos hacen un agravio.

La enfermedad mental es un campo muy amplio y con muchas variables, no sabemos concretamente qué le pasa a Joker, pero en esta película vemos la importancia que tiene sostener unas políticas sociales adecuadas, frente a cualquier otro tipo de inversión, porque aunque el agente social que lo atiende no fuera el mejor, al menos tenía un anudamiento. Después ya no tiene nada, hay un desbordamiento total y se instala en otra deriva, sin ninguna contención. Es un personaje torturado que puede ser un peligro para él y la sociedad.

En España también los débiles y los pobres lo tienen muy difícil. La precariedad actual en que viven muchas personas, no se distancia mucho de la película. (Sólo tenemos que ver lo que pasa a las puertas del SAMUR Social de Madrid en estos días, donde mucha gente no tiene donde dormir y con una soledad espantosa). Algunos somos de otra generación, pero reflexionemos cómo viven muchos jóvenes hoy, a solas con los “gadgets”, con una pantalla, 200.000 seguidores y pocos o ninguna relación.

Películas que se mencionan: “El caballero Oscuro”, que enlaza bien con ésta, y se observa de dónde procede el personaje Joker, aunque su historia es otra. En el otro lado de la balanza estarían la película canadiense: “La caída del imperio americano” y “El blues de Beale Street”, aunque muy diferentes cada una tienen en común la rebeldía frente al malestar social, demostrando que hay otras respuestas al maltrato que los sujetos sienten frente al neoliberalismo, pero es una respuesta desde el lado del amor. En el Joker, por el contrario, no hay amor, nada, no tiene dónde agarrarse. Hay dudas de que el vínculo con la vecina existiera, es posible que fuera fruto de su invención. Se hace hincapié en la importancia del amor en la infancia. Por el contrario, el maltrato y el abuso no son sin consecuencias, aunque cada uno tiene respuestas diferentes frente a los acontecimientos de su existencia.

En este sentido, se recomienda el libro autobiográfico: “Instrumental” del pianista James Rhodes. En él cuenta cómo la música le salvo la vida y le permite soportar el sufrimiento, pero esto fue posible a través del encuentro con alguien que cree en él como pianista, es decir, el vínculo con el otro del amor, en contraposición al puro goce del exceso y la violencia. Siempre insistimos en la importancia de la educación vinculada al encuentro con un docente que sostenga su deseo, su apuesta por el acto educativo, frente a los sujetos en construcción. Manteniendo la oferta educativa los sujetos pueden construir algo nuevo. Por el contrario, en toda la película no hemos visto ninguna oportunidad para salvar a Joker, vive en un mundo donde no hay amor. Nadie encuentra amor, ni da amor.

Se menciona también “V de Vendetta” película que muestra a V un combatiente por la libertad que se oculta bajo una máscara, pero no es tramposa como Joker, porque él se sacrifica por un ideal y las masas le siguen enfervorizadas para sostener una causa.

Para finalizar, señalar que es peligroso el vínculo explicito que establece la película entre violencia y las enfermedades mentales. Para los psicoanalistas siempre entre la causa y el efecto hay una decisión del sujeto y está la insondable decisión del ser. Con una infancia difícil no todos los sujetos se vuelven locos, delincuentes o maltratadores, con las mismas cartas otros hacen otra cosa.

Dando las gracias al Café Libertad por sus atenciones, a los asistentes por su participación, les deseamos pasen buenas Fiestas. Nos veremos el próximo día 17 de enero de 2020.

Tertulia El Séptimo

Crónica 146ª

"Diecisiete"

Director: Daniel Sanchez Arévalo

Por Marta Mora

Coordinó nuestra colega Pilar Berbén, nos habló del director ampliamente, de su regreso al cine después de 7 años y de su interés por filmar su quinta película en Cantabria con caras nuevas. Su uso del cine para avanzar como persona. Narra aquí una historia de dos hermanos que gracias a un viaje quijotesco se reencuentran, una abuela que se hace entender con una palabra: “Tarapara”, una perra que sirve de motivo de vida a un chaval y de otra coja, como metáfora de la existencia humana, todos cojeamos. Destacó una frase que uno le dice al otro, “hay que aprender a perder”, como enseñanza sobre lo positivo de las derrotas y la paciencia necesaria, en esta época donde lo queremos todo y ya.

Y dió la palabra a los tertulianos, quienes en general opinaron que es una película sencilla, que resalta muchos valores y enseña algo sobre los adolescentes, que sería para proyectarla en las escuelas. Una película humilde, donde hay amor.

A Alguien le pareció interesante que se tratara de una historia en el aquí y ahora, que aporta mínimos datos sobre el pasado que descubrimos a medida que avanza el relato, marcada por los sentimientos y la fragilidad, todos unidos por una carencia. Apreciaron que las películas de este director muestran a hombres vulnerables. Valiosa, fue otra opinión.

Alguien vio el aislamiento de Héctor, como una manera de salvarse y sobre los animales que se utilizan como terapia, la pista nos la da Ismael cuando le recuerda a Héctor que él era “su perro” de niño, como un juego y un mimo. Respecto de la cojera de cada uno, Ismael la muestra cuando le confiesa su miedo a ser padre y Héctor le anima y le dice, como que no sabes? Si has hecho de padre conmigo!

También se comentó que más allá del sentido, lo sutil de la escena del final es que nos revela la marca que Héctor tiene de la infancia. El perro es importante para él por esa marca. Como se habló del abandono de Héctor, dado que Ismael lo denuncia y lo envían al centro de menores, indicó que no le parece un abandonado, lleva dos años en el centro, el vinculo con el hermano es muy fuerte y con la abuela. La apuesta a hacer para nosotros es que el director lo muestra bien, con la palabra “tarapara” de la abuela, hace como se hace con un bebé que entra en el lenguaje, los hermanos le dan su significación, lo interpretan.

Se plantearon preguntas e interpretaciones sobre porqué Ismael denuncia a su hermano y sobre qué debe hacer la familia en estos casos. En el relato hay un detalle que responde sobre esto, Ismael no quiere que termine en lo peor.

Se observó el tipo de “delincuencia” de Héctor, roba objetos de la necesidad para su abuela y reconoce que fue un capricho la afeitadora, por la que lo pillan.

Tampoco pasó desapercibido el regalo del Código Penal de la jueza, objeto preciado que los compañeros destrozan y el vuelve a reconstruir, tal vez como ´metáfora de su intento de reconstruir y reconstruirse. Y también se señaló que este regalo cumple el papel de ley que le falta.

Como en algunas críticas definen a Héctor como un Asperger, alguien nos informó de dos visiones sobre el autismo, una por los síntomas y otra posterior, que lleva el nombre de quien lo definió, Hans Asperger, que propuso una pedagogía curativa. El psicoanálisis define al ser humano como un ser de palabra, no hay ser sin lenguaje y de eso se deriva que no hay sujeto sin Otro. El autista rechaza y se defiende del Otro, pero eso no quiere decir que no tenga un Otro, lo que no sabemos es de que Otro se trata. Y si también decimos que no hay sujeto sin síntoma, vemos el síntoma como un intento de curación y habrá que entender cual es el funcionamiento del síntoma en el autista. El síntoma no es un déficit, es una creación subjetiva ante una encrucijada vital que angustia y es insoportable.

Otro se preguntó en alto, qué es más delito? Un chico que roba un calefactor para su abuela o que un mayor pase frio? Yo metería antes al sistema en un reformatorio que a un chico. Lanzó la hipótesis que lanza el director sobre el espectro autista, que es más autista? un sistema que necesita poner perros para que puedas acariciar o un sistema que no te acaricia? Ocho millones de pobres ocupan un lugar de carencia del sistema. Otras claves del director, la escena final, cuando se despiden Héctor pregunta si podrá contar con él, con Ismael cuando salga e Ismael le hace el perro. Le está diciendo, tendrás compañía, pues se ha dado cuenta que solo se necesita ser alguien para cada uno de nosotros. Y el sistema no puede decirnos, el que pueda que se salve y el que no, a la mierda! Para eso está el Estado.

Otro señaló que en la adolescencia hay que acompañar, es un momento vital, eso es lo que piden; no abandonarlos, los profesores de la peli están en ello. No hay que retroceder ante el acto educativo ante la tendencia a la homogeinización de la época y hay que estar atentos a la singularidad de cada uno. Y nos recomendó el libro de Daniel Pennac, “Mal de escuela”, libro de cabecera para el espacio de Investigación de psicoanálisis y educación.

Terminamos con el deseo de volver a vernos el 15/11/19, en este café al que agradecemos su hospitalidad.

Tertulia El Septimo

Cronica 145ª

"Quien a hierro mata".

Director: Daniel Sanchez Arévalo

Por Marta Mora

Coordinó nuestra colega Olga Montón, empezó señalando iniciamos la temporada 18ª, que no hacemos un análisis técnico de la película propuesta, que como lo indicamos en el blog y en los emails que enviamos, es una mirada psicoanalítica sobre el cine.

El título como augura la frase cortada, va de venganza.

Los psicoanalistas estamos enterados que la venganza tiene que ver con un duelo sin elaborar y todo crimen remite al asesinato del padre. Freud en Tótem y tabú, relata que los hijos hartos de la arbitrariedad del padre, lo matan y celebran una comida totémica con su cuerpo y sellan así un pacto de mutuo respeto, que da origen a la comunidad humana. De ahí que toda convivencia tiene como base una cesión de satisfacción para relacionarse con el otro. La neurosis está muy ligada a la venganza y la culpa, el neurótico acusa al otro de sus males porque su sufrimiento es la única prueba que tiene de las maldades que le adjudica al otro. La desaparición de su sufrimiento lo dejaría sin argumentos. Freud tiene una frase formidable con respecto a la venganza, dice que hay mujeres (también hombres) que no se divorcian porque no han terminado de vengarse. La otra cara de la venganza sería la culpa.

Nos recordó el “Señor, perdónalos porque no saben lo que hacen”.

Posteriormente Marx afirmó;“No sabrán lo que hacen pero lo hacen igual”.

Los psicoanalistas con Freud podemos decir:“saben lo que hacen y lo hacen igual”. Uno es responsable de sus actos.

Si la culpa de lo que me pasa es del otro ¿como hacer caso del “amarás a tu prójimo como a ti mismo”? A este mandato cuestionado por Freud, ¿como amarlo como a mi mismo si continuamente me hago daño?, Lacan le da una vuelta mas y ahí ubicó lo Éxtimo, donde lo exterior y lo más intimo no tiene un limite claro. Ese mandato, imposición de la cultura, proviene del superyo y enferma, genera resentimiento y remordimiento, que se suele ocultar con la apariencia de una tierna bondad. No es Mario el mejor enfermero? El mas paciente, el más tierno?También habló de la justicia como condición de la paz, que no elimina las pasiones pero las regula. Por esto la justicia es una instancia reparadora que abre la posibilidad de tramitar el odio.

Y así iniciamos nuestra conversación.

Algunos no vieron culpa en Mario, ayudó a morir a su hermano, es como una eutanasia...Otro apuntó al duelo, cuando se pierde un objeto preciado es preciso separarse de lo que uno invirtió anímicamente, “la sombra del objeto cayó sobre el yo”, cuando uno se aferra al objeto es imposible el duelo. Separarse del objeto permite hacer otra cosa, libera. La mujer de Mario sí ha podido hacer el duelo.

Otro señaló que la justicia es una venganza delegada. Mario repite el acto que hizo con su hermano, se confunde venganza con eutanasia. Padín, el narco, un padre real, que no hace nada por sus hijos, lo arroja a la culpa.
A otro lo llevó a una reflexión sobre las residencias y los ancianos a merced de los cuidadores y la violencia, y los chinos como narcos inteligentes. Lo narco bien tratado, Padin con un testamento se carga a todo el mundo.

Otro opinó que Mario tiene una oportunidad de vida y no la alcanza, tiene una mujer, un hijo por llegar pero eso no lo detiene. Señaló la casi nula presencia de mujeres en el film. Solo la doctora del geriátrico y la mujer de Mario.

Se señaló que no hay transmisión generacional sin poder hablar del trauma. La escena final, hay una repetición imparable. Una película llena de matices, el malvado que no se muere en paz, el dominio sobre el otro, hacer el mayor daño posible al otro.

Otro vio en Mario deseo de venganza y una satisfacción, el ojo por ojo es el motivo de su existencia y eligió por fuera del amor, el desamparo. Aunque no se haya visto vale la pena venir a la tertulia. La venganza puesta del lado de la pareja de Mario, mata a la madre de su hijo y deja al niño vivo y único heredero.

Para otro la escena final fue impactante, y ahí entendió la frase de la presentación de Olga de “Ver el horror asociado a la belleza del nacimiento”.
Se puede tramitar la culpa y no perdonar, fue un apunte importante.

Ante la muerte hay culpa. El odio de Mario a Padin es un odio contra algo propio, la profesión también dice mucho, no ejerce en un hospital. La culpa de Mario es tácita, no hay muestras de culpa. No busca fuera nadie que lo ayude, asume solo esto, algo como de echar la culpa fuera y en la violencia. Lo más grave, cuánto habrá de él que desconoce. Hay un perfil, pasar de “todo para el otro” a “muerte al otro!”.

Padin muestra la cosa narcisista “no es mi herencia lo que va a envenenar a tu hijo, eres tú”, le trata como un igual, de malo a malo, le dice en plena ejecución de la venganza de Mario, “no eres muy distinto que yo”.

Como colofón alguien señaló lo maravilloso de la literatura y el cine y está lo que uno añade.

Agradecemos a los que asistieron, pese al adelanto horario fue una tertulia concurrida y participativa, posible gracias al Café Libertad 8.

Los esperamos la próxima!!

Tertulia El Séptimo

Crónica 144ª

"Clara y Claire"

Director: Safy Nebbou

Por Marta Mora

Coordinó esta tertulia nuestra colega Olga Montón, mencionando tres finales subjetivos posibles:

Claire termina la relación con Alex y es Ludo quien le informa del suicidio de Alex porque una joven le ha destrozado el corazón. Aquí vemos la venganza de Ludo.

Claire escribe una novela afrontando la realidad pero al final muere atropellada.

La psiquiatra busca a Ludo que revela que Alex esta vivo, tiene pareja y un hijo y le cuenta a Claire la verdad. Es el final, Claire tiene en las manos el móvil con el que contactaba con Alex.

También mencionó el tiempo, en esta época de las redes, de respuesta inmediata, sin tiempo para pensar, dudar e inventar. La pantalla hace de velo al no hay relación sexual. si no hay cuerpo a cuerpo todo es posible… en la imaginación, no existe la imposibilidad.

Y con el epígrafe de “Toda mujer, nada madre”, tomó como eje el tema de la Otra mujer. La Otra encarna el enigma de la femineidad para el sujeto. En la histeria, la instancia de la Otra mujer desborda en mucho el plan simplemente imaginario de la doble o de la rival. La Otra mujer existe como un elemento de la estructura simbólica inconsciente articulada al padre y al falo simbólico. La Otra no es cualquier mujer. Al no haber en el inconsciente el significante de La Mujer, nada en el registro simbólico puede suministrarle una identidad segura, hay un defecto universal identificatorio, hay un agujero, esto es lo que debe afrontar cada una. Es por esto que la solución encontrada por una mujer al enigma de lo femenino pasa comúnmente por la fijación, el enganche, a una mujer singular o a otras, para responder a la pregunta ¿qué es una mujer?

Es entonces cuando el surgimiento de Otra singular, como en el caso de la película la sobrina, en una coyuntura determinada, le resuena en el inconsciente provocando un desencadenamiento, haciendo vacilar el equilibrio del fantasma histérico y desencadenando el estrago. Para que una mujer (la sobrina) adquiera la función de la Otra mujer, es preciso que sea tocada la posición privilegiada que Claire tiene en la vida de su partenaire. También un acontecimiento, una palabra, etc, puede poner en movimiento esta función de la Otra mujer para otros sujetos.

Y comenzamos a comentar.

En vez de tres alguien vio cuatro finales, el cuarto sería a quien llama en la ultima escena?.

Coincidimos en la actuación brillante de Juliette Binoche, pero hubo criticas a la película, algunos les pareció muy hablada y poco creible la contradicción entre la formación de Claire y su torpeza en la vida. El director muestra las clases sobre Ibsen y su Casa de Muñecas que imparte Clara como alusiones a lo que va narrando. Claire dice dos lineas de un poema de Rilke:

“Apaga mis ojos, y podré verte,
cierra mis oídos, y podré oírte,”

Les dejo el resto:“y sin pies podré llegar hasta ti,
y aun sin boca podré conjurarte.
córtate los brazos, te abrazaré
con el corazón como con las manos,
párame el corazón, latirá el cerebro,
y si en mi cerebro arrojaras fuego,
aún te llevaría sobre mi sangre.”

Comentando varias escenas surgieron otros temas, las dificultades de la diferencia de edad en lo social, se acepta un hombre con una jovencita pero no a la inversa, la invisibilidad de las mujeres a los 50 años... que consumió bastante tiempo.

Pero alguien señaló que pensaba que nos confundiríamos si nos quedamos en eso, ella juega con la otra, joven, juega para ver que sentiría la joven. Tiene mucho que ver con estos dispositivos donde se juega con la fantasía.

Otro que no la vio, pero prometió verla, arriesgó por lo escuchado. Tomó el titulo original, “Quien crees que soy”, interesante pues no es una pregunta. Ella está interrogando el deseo de un hombre por esa mujer, lo que le interesa es hacer existir la relación, estar en el medio, a tal punto es la otra.

Se cuestionó la excusa del marido, “no hay consanguinidad”, para irse con la sobrina. Ese significante fue puesto en cuestión, lo consanguineo es un dato real pero esa sobrina fue criada por ellos desde pequeña, eso hace un vinculo especial. Como se mencionaba mucho a “la psicoanalista” en diversos comentarios alguien señaló que se trata de una psiquiatra, terapeuta si. Y lo terrible de lo que dice Claire, “morir si, pero no morir abandonada”.

Ante el “no morir abandonada”, alguien preguntó si no es mas terrible vivir sola? El desamparo es no saber que quiere el otro de mi. Se marcó la diferencia entre el saber y el deseo. Que pasa con las relaciones virtuales? Para vivir hace falta un cuerpo, en una relación cuerpo a cuerpo se puede fantasear ser otra pero hay limites. Cuando no se acepta lo otro en nosotros, aparece la segregación.

Y terminamos con la pregunta de alguien que jugando con el titulo en español se preguntó, quien es ella? Clara o Claire?.

Terminamos con mutuos aplausos como es habitual, no sin antes escuchar las palabras de una tertuliana habitual que agradeció este espacio en la ciudad, a la Comisión del Séptimo el trabajo y la selección de películas interesantes a su entender.

Agradeciendo la acogida del “Café Libertad 8”, nos deseamos ¡¡Felices vacaciones!!

Esperamos vernos el próximo curso!!.

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